Als Francisco de Goya 1788 den Auftrag für Heiliger Franz von Borja hilft einem sterbenden Unbußfertigen erhielt, befand er sich an einem Wendepunkt seiner Karriere, frisch zum Hofmaler von Karl III. von Spanien ernannt. Dieses Werk war Teil einer Serie für die Kirche San Francisco el Grande in Madrid, die dazu gedacht war, das Leben und die Wunder des Jesuitenheiligen zu feiern, der erst ein Jahrhundert zuvor heiliggesprochen worden war.

Das Thema—Heiliger Franz von Borja, der sich den letzten Momenten eines Sünders stellt—wurde gewählt, um sowohl Ehrfurcht als auch Reflexion in der Gemeinde zu inspirieren, und Goyas Gemälde wurde schnell zu einem der am meisten diskutierten Werke im neuen dekorativen Schema der Kirche. Das Drama entfaltet sich am Rand von Leben und Tod: Heiliger Franz von Borja, erkennbar an seinem Jesuitenhabit und der Amtskette, beugt sich über einen sterbenden Mann, dessen Angst spürbar ist. Goya erfasst den Moment, in dem der Heilige das Kreuz anbietet und zur Buße der unbußfertigen Seele drängt, während Dämonen im Schatten lauern, ihre grotesken Formen kaum sichtbar, aber unmissverständlich bedrohlich. Das Licht fällt scharf auf Borjas gelassenes Gesicht und die verzerrten Züge des sterbenden Mannes, ein starker Kontrast, der das Gefühl einer spirituellen Krise verstärkt.

Diese psychologische Intensität hebt Goyas Behandlung von früheren Darstellungen ab, wie den theatralischeren und überfüllten religiösen Szenen von Peter Paul Rubens, und konzentriert sich stattdessen auf die rohe Konfrontation zwischen Erlösung und Verdammnis. Obwohl der ursprüngliche Auftrag das Gemälde in einer prominenten Kapelle platzierte, ist seine spätere Geschichte weniger klar. Wie viele Werke von Goya aus dieser Zeit wurde es mehrfach bewegt und restauriert, und das genaue Medium—ob Öl auf Leinwand oder ein anderer Träger—bleibt ungewiss. Heute befindet es sich im Museo del Prado, wo es als frühes Beispiel für Goyas wachsende Faszination für die dunkleren Seiten des Glaubens und der menschlichen Psyche steht.

Das Gemälde markiert einen Wandel von seinen früheren, leichteren Hofporträts zu den eindringlicheren und introspektiveren Werken, die seinen reifen Stil prägen würden.