Cuando Francisco de Zurbarán recibió el encargo de pintar a los doce hijos de Jacob para el Monasterio de Guadalupe en 1645, se le encomendó una serie sin igual en el arte español. Estas obras, incluyendo a Gad, no estaban destinadas a ser retablos, sino un raro ciclo de patriarcas del Antiguo Testamento, cada uno representado como una figura solitaria de tamaño natural. La serie era tan inusual que, durante siglos, varias de las pinturas fueron atribuidas erróneamente o dispersadas, su unidad original solo fue reensamblada por los estudiosos en el siglo XX.

La historia de Gad está, por lo tanto, ligada no solo a su sujeto bíblico, sino al destino de un encargo notable que se deslizó entre las grietas de la historia del arte. En esta pintura, Zurbarán captura a Gad, el séptimo hijo de Jacob, en un momento de dignificada quietud. La figura está de pie, vestida con un rico y exótico atuendo, sosteniendo un estandarte y mirando hacia afuera con una expresión calmada y contemplativa. Según Génesis 49:19, Jacob profetizó sobre Gad: “Una tropa lo asaltará: pero él asaltará al final.” El Gad de Zurbarán es un guerrero, su armadura y banda aludiendo a este destino, mientras que la paleta sobria y la luz enfocada lo destacan contra la oscuridad, una técnica reminiscentemente caravaggiesca pero suavizada por la propia contención meditativa de Zurbarán.

A diferencia de las representaciones abarrotadas y narrativas de los hijos de Jacob por artistas del norte, Zurbarán aísla a su sujeto, invitando a la contemplación del carácter en lugar de la acción. El ciclo original fue creado para la sacristía del Monasterio de Guadalupe, un importante centro de peregrinación en la España del siglo XVII. Con el tiempo, las pinturas fueron dispersadas: algunas se perdieron, otras entraron en colecciones privadas o museos. Gad mismo finalmente encontró su camino al Museo del Prado, donde ahora se reúne con varias de sus piezas compañeras.

Esta serie marca un período en la carrera de Zurbarán cuando estaba en la cúspide de su poder, produciendo obras que combinaban la austeridad de la pintura religiosa española con un nuevo interés en la presencia psicológica. Aunque el medio exacto es incierto, la supervivencia y redescubrimiento de la obra la han convertido en un punto de referencia para entender tanto la visión del artista como las cambiantes fortunas de la pintura barroca española.