Cuando Paul Cézanne presentó El juicio de Paris al Salón de París de 1864, el jurado lo rechazó de inmediato, un destino común para el joven artista, pero notable dada la popularidad del mito en los círculos académicos franceses. Con solo 24 años, Cézanne ya desafiaba la convención: en lugar de los cuerpos suaves e idealizados que prefería el Salón, ofreció una visión cruda, casi primitiva de la antigua historia. El destino de la pintura en el Salón marcó un punto de inflexión, empujando a Cézanne más lejos de la aprobación académica y hacia la experimentación radical que definiría su carrera. La historia se desarrolla en el momento en que París, príncipe de Troya, debe otorgar la manzana dorada a la diosa más hermosa, una decisión que desencadenará la Guerra de Troya.

En la versión de Cézanne, las diosas Hera, Atenea y Afrodita están de pie o reclinadas en un paisaje austero, sus formas representadas con contornos gruesos y bloques de color intenso. París, aislado a un lado, extiende la manzana con un gesto incierto, su cuerpo tenso y torpe. La solidez de las figuras y el manejo casi escultórico de la carne distinguen esta obra de, por ejemplo, Rubens y su exuberante y sensual El Juicio de París.

Aquí, el mito se siente menos como un espectáculo y más como un momento de destino inquietante. El medio exacto que utilizó Cézanne para esta obra temprana no está bien documentado, ni tampoco su procedencia completa. Al igual que muchas de sus obras rechazadas por el Salón, El juicio de Paris pasó años en la oscuridad, pasando por manos privadas antes de resurgir con un renovado interés académico en el siglo XX. Hoy en día, se erige como un raro ejemplo sobreviviente de la ambición juvenil de Cézanne, sirviendo de puente entre su formación académica y el estilo ferozmente individual que más tarde pionearía.

Su energía áspera y su audaz composición presagian las innovaciones del Postimpresionismo, convirtiéndola en un referente para aquellos que rastrean la evolución del arte moderno.