En el invierno de 1819, Francisco de Goya fue golpeado por una enfermedad casi fatal que lo dejó en un limbo entre la vida y la muerte. Fue durante su lenta recuperación a principios de 1820 que pintó Autorretrato con el Dr. Arrieta, un tributo profundamente personal al médico que, según el propio Goya, "salvó mi vida".

Esta pintura es única entre las obras de Goya por su explícita gratitud: un momento raro en el que el artista, tan a menudo cronista de la oscuridad de España, dirige su mirada hacia adentro para documentar su propia vulnerabilidad y la compasión de otro. La escena se desarrolla en la habitación del enfermo: Goya, demacrado y ceniciento, se desploma en la cama, su cuerpo sostenido por el atento Dr. Arrieta, quien le ofrece suavemente un vaso de medicina. Detrás de ellos, figuras sombrías se perfilan en la penumbra, sus formas indistintas sugiriendo el espectro de la muerte o las alucinaciones febril que atormentaron a Goya durante su enfermedad.

La luz cae directamente sobre los rostros del médico y del paciente, destacando el vínculo entre ellos y transformando a Arrieta en una figura de esperanza. A diferencia de los doctores heroicos de David o del desapego clínico de Rembrandt en La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, el tratamiento de Goya es íntimo y profundamente humano, centrándose en el intercambio emocional más que en el drama médico. Pintado al óleo sobre lienzo, Autorretrato con el Dr.

Arrieta nunca fue un encargo público, sino más bien un acto privado de agradecimiento, como lo indica la inscripción en la parte inferior donde Goya dedica la obra a Arrieta. La pintura permaneció en la familia Arrieta durante décadas antes de ingresar a la colección del Museo del Prado, donde ahora cuelga. Creada en el ocaso de la vida de Goya, esta obra se sitúa en el umbral entre sus célebres retratos de la corte y las inquietantes Pinturas Negras que siguieron, capturando un raro momento de gratitud y supervivencia en los turbulentos años finales del artista.