Cuando Francisco de Goya pintó La duquesa de Abrantes en 1816, se acercaba al final de sus encargos de retratos oficiales para la aristocracia española, un capítulo marcado tanto por el favor como por la fricción. La duquesa, María Luisa de Carvajal y Gonzaga, era una figura prominente en la corte, y su retrato formaba parte de una serie que Goya pintó de la noble familia Osuna y su círculo. Lo que distingue esta obra es el aire de independencia que rodea a su modelo: los relatos contemporáneos destacaban su ingenio y su fuerte voluntad, cualidades que se decía que Goya admiraba y buscaba capturar en su arte. La duquesa se sienta con una postura serena, su mirada es directa y sin sonrisa, vestida con el vestido negro de cintura alta y la mantilla de encaje típica de la moda española a principios del siglo XIX.

Goya elige no halagar, sino revelar, retratando sus rasgos con franqueza y un toque de melancolía. La paleta sobria y la pincelada suelta centran la atención del espectador en su rostro y manos, que descansan tranquilas en su regazo, sugiriendo tanto dignidad como introspección. A diferencia de los retratos idealizados de Élisabeth Vigée Le Brun, el enfoque de Goya es más psicológico: pinta la personalidad en lugar de la perfección, invitándonos a leer el mundo interior de la modelo. Las circunstancias exactas del encargo del retrato siguen siendo inciertas, pero se cree que fue pintado para la familia de la duquesa, como parte de la relación continua de Goya con la élite de Madrid.

A lo largo de los años, La duquesa de Abrantes ha pasado por colecciones privadas antes de entrar en el dominio público, y hoy se encuentra en el Museo del Prado. La obra se erige como un testimonio de la visión en evolución de Goya: pintada solo dos años antes de su partida a Burdeos, refleja su cambio de pintor de corte a cronista del alma, uniendo la formalidad del retrato aristocrático con la cruda honestidad que definiría su estilo tardío.