Lorsque Paolo Veronese a peint Céphale et Procris en 1584, il approchait de la fin de sa carrière, mais continuait à expérimenter avec des sujets mythologiques qui permettaient à la fois sensualité et tragédie. Cette œuvre se distingue car elle faisait partie d'une série commandée par la puissante famille vénitienne Pisani pour leur villa à Stra, un cadre où mythe et plaisir se mêlaient dans les plus grandes salles. Le destin de la peinture est également marqué par l'incertitude : bien qu'elle soit largement acceptée comme étant de Veronese, son médium original n'est pas définitivement connu, et certains chercheurs ont débattu de savoir si elle était toujours destinée aux Pisani ou peut-être à un autre noble mécène. La toile capture le climax fatal du mythe des Métamorphoses d'Ovide : le moment où Céphale découvre sa bien-aimée Procris mourante dans les bois, transpercée par sa propre lance.

Veronese choisit l'instant où Céphale, chassant à la lumière fraîche du matin, s'agenouille à côté de Procris, son corps inerte, son visage tourné vers son amant dans un geste de pardon et de perte. Les riches tissus, les tons de chair éclatants et le jeu de lumière soigné sur le bras nu de Procris attirent le regard vers le centre émotionnel, tandis que le paysage environnant suggère l'isolement de leur tragédie. Le chien aux côtés de Céphale, symbole de loyauté et de chasse, souligne la cruelle ironie de l'accident.

Contrairement à la version antérieure et plus chaotique du même mythe de Piero di Cosimo, le traitement de Veronese est contenu, se concentrant sur l'intimité du dernier moment du couple. Après sa création, Céphale et Procris est resté dans des collections vénitiennes pendant des siècles, son attribution à Veronese étant largement incontestée, bien que la provenance exacte soit obscurcie par des lacunes dans la documentation. La peinture reflète le goût tardif de la Renaissance vénitienne pour les récits mythologiques qui mêlent érotisme et réflexion morale. Au fil du temps, elle a été admirée pour sa couleur luxuriante et sa profondeur psychologique, des traits qui distinguent Veronese de ses contemporains.

Aujourd'hui, la peinture est conservée au Museo del Prado, où elle continue d'inviter les spectateurs à entrer dans le monde complexe de l'amour, du destin et des malentendus qui a tant fasciné l'imaginaire de la Renaissance.