Au début du XVIIe siècle, Artemisia Gentileschi était l'une des rares femmes à obtenir une reconnaissance en tant que peintre professionnelle, et sa Cléopâtre est l'une des plusieurs versions qu'elle a créées sur la fin dramatique de la reine égyptienne. Ce qui rend cette œuvre particulièrement intrigante, c'est le débat en cours sur son attribution et sa datation : bien que la peinture soit largement attribuée à Artemisia, certains chercheurs ont suggéré une possible collaboration avec son père, Orazio Gentileschi, ou des membres de son atelier. L'incertitude est accentuée par l'existence d'au moins trois autres peintures de Cléopâtre liées à Artemisia, chacune présentant des différences subtiles dans la pose et l'humeur.

Cette prolifération de versions témoigne à la fois de la popularité du sujet et de la propre fascination de la peintre pour les femmes puissantes et tragiques. La toile capture Cléopâtre au moment même où elle choisit la mort plutôt que l'humiliation, une histoire tirée de sources anciennes : après la défaite de Marc Antoine par Octave en 30 av. J.-C., on dit que Cléopâtre a mis fin à ses jours, traditionnellement par la morsure d'un aspic pressé contre sa peau nue. Ici, Artemisia fige le temps alors que Cléopâtre est allongée, son corps langoureux mais digne, le serpent enroulé près de sa poitrine.

Les lourdes paupières de la reine et ses lèvres entrouvertes suggèrent l'approche de la mort, tandis que sa chair exposée et les tissus luxueux soulignent à la fois sa vulnérabilité et son statut royal. L'éclairage isole Cléopâtre contre un fond sombre, focalisant toute l'attention sur son acte solitaire. Comparée à la Cléopâtre plus théâtrale de Guido Reni, la version de Artemisia est intime et contenue, invitant le spectateur à assister à un adieu privé et résolu. La provenance exacte de cette Cléopâtre reste incertaine, tout comme l'identité de son premier mécène, mais son style et son sujet la placent fermement dans la période romaine de Artemisia Gentileschi, vers 1620.

Comme beaucoup de ses œuvres, elle a circulé dans des collections privées et a parfois été mal attribuée, un sort commun aux peintures des artistes femmes de l'époque. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de l'intérêt durable de Artemisia pour l'agence et la souffrance féminine, des thèmes qui se répètent tout au long de sa carrière. Que ce soit dans un musée ou à travers des archives numériques, la peinture continue d'inviter à de nouvelles discussions sur l'auteur, l'intention et les manières dont les histoires des femmes ont été racontées —et réinventées— par des artistes à travers les siècles.