Personne ne sait avec certitude si Design pour le Tapis 'Le Chasseur' de Gustave Van de Woestijne a jamais été tissé en laine et soie, ou s'il est resté à jamais sur papier, une vision de grandeur domestique qui n'a jamais quitté l'atelier de l'artiste. L'absence de date et de médium ne fait qu'approfondir le mystère, laissant les chercheurs spéculer sur sa place dans la carrière de Van de Woestijne et les intentions derrière sa création. Ce qui est clair, c'est que ce design se dresse comme un exemple rare de l'engagement de l'artiste envers les arts appliqués, un domaine qu'il a rarement exploré, malgré le renouveau des arts décoratifs qui a balayé la Belgique au début du XXe siècle. La scène elle-même capture un chasseur posé au bord d'une forêt stylisée, sa posture tendue, les yeux fixés sur une proie invisible.

L'utilisation caractéristique de formes allongées et de perspective aplatie par Van de Woestijne transforme la figure en symbole plutôt qu'en portrait, faisant écho aux figures spiritualisées de ses contemporains symbolistes. Le feuillage géométrique et les lignes rythmiques suggèrent à la fois l'ordre de la nature et l'impulsion humaine à la maîtriser, tandis que des motifs subtils—peut-être un chien aux pieds du chasseur ou un cerf lointain—soulignent le drame éternel de la poursuite et de l'évasion. Contrairement aux grandes tapisseries de chasse de la Renaissance, comme celles du Château de Chambord, le design de Van de Woestijne est intime, presque méditatif, se concentrant sur la tension psychologique du moment plutôt que sur son spectacle. On sait peu de choses sur la commande ou l'histoire précoce de Design pour le Tapis 'Le Chasseur'.

Il a peut-être été conçu pour un commanditaire privé ou dans le cadre d'une exposition d'arts décoratifs, reflétant l'intérêt renouvelé de l'époque pour l'intégration de l'art dans la vie quotidienne. Le lieu actuel de l'œuvre est incertain ; elle survit principalement à travers des reproductions et des dossiers d'exposition. Dans l'œuvre de Gustave Van de Woestijne, elle se distingue de ses portraits et scènes religieuses plus familiers, offrant un aperçu de sa polyvalence et de sa fascination pour le potentiel symbolique du design.