Lorsque Paysage avec un homme tué par un serpent a été exposé pour la première fois à Rome en 1648, il a surpris les spectateurs par son sujet glaçant : une mort soudaine et violente au milieu d'une campagne tranquille. Contrairement aux grandes mythologies ou récits bibliques qui dominaient l'ère du Baroque, Nicolas Poussin a ici choisi une scène de crudité, presque journalistique, basée sur une anecdote de l'Histoire Naturelle de Pline l'Ancien. La réputation de la peinture pour son réalisme troublant était telle que, selon le collectionneur du XVIIIe siècle Pierre-Jean Mariette, elle était "admire autant pour son horreur que pour sa beauté." Cette œuvre reste l'une des rares instances où Poussin—normalement un peintre de l'ordre et de la raison—embrassa le chaos et la terreur comme son sujet. Au centre de la toile, un homme gît sans vie, son corps tordu dans l'agonie, tandis qu'un serpent se glisse dans les sous-bois.

Le moment est figé juste après l'attaque : les villageois se précipitent vers le cadavre, leurs gestes mêlant peur, choc et impuissance. À gauche, une femme se recule, les bras écartés en alarme, tandis qu'un berger s'enfuit dans la direction opposée, abandonnant son troupeau. Le paysage, baigné dans la lumière dorée de la fin d'après-midi, semble indifférent à la tragédie—un contraste saisissant qui accentue le sentiment de vulnérabilité humaine.

Contrairement aux scènes mythologiques dramatiques de Rubens, la composition de Poussin est contenue, presque clinique, rendant la violence d'autant plus troublante. La peinture a probablement été commandée par Jean Pointel, un riche banquier parisien et l'un des plus dévoués mécènes de Poussin. Au fil des siècles, elle a passé par plusieurs collections éminentes, y compris celle du Duc de Richelieu, avant d'entrer à la National Gallery de Londres, où elle est exposée aujourd'hui. Les historiens de l'art ont souvent débattu de son sens : certains la voient comme une méditation sur le destin et l'imprévisibilité de la mort, tandis que d'autres l'interprètent comme une réflexion philosophique sur l'indifférence de la nature.

Pour Poussin, peinte dans les dernières années de sa carrière, cette œuvre se distingue—une rare incursion dans la représentation de l'émotion brute et de la fragilité de la vie humaine.