Lorsque Madone de Lorette a été dévoilée en 1606 dans l'église de Sant’Agostino à Rome, les paroissiens ont été scandalisés : Caravaggio avait peint la Vierge pieds nus et, plus choquant encore, il a donné à ses visiteurs les pieds sales et calleux de véritables paysans romains. Le réalisme de l'œuvre était si intense que certains contemporains affirmaient pouvoir reconnaître les modèles comme des mendiants locaux. Ce n'était pas la Madonna idéalisée et distante de la tradition, mais une figure ancrée dans la vie quotidienne de la ville, un mouvement audacieux qui a suscité un vif débat dans le monde de l'art romain. Au cœur de la scène, deux humbles pèlerins s'agenouillent devant la Madonna et l'Enfant, qui apparaissent dans l'embrasure d'une modeste maison.

Caravaggio capture l'instant de dévotion, leurs mains jointes en prière, des visages marqués par le voyage et l'espoir. La Vierge, tenant l'enfant Christ, se tient pieds nus sur le seuil usé, sa figure illuminée par un rayon de lumière qui perce l'obscurité, un signe visuel de la présence divine rencontrant la souffrance terrestre. Contrairement aux Madonnas sereines de Raphaël, les figures de Caravaggio ne sont pas idéalisées et sont proches de la vie, leur humanité accentuée par le jeu dramatique de lumière et d'ombre qui est devenu une caractéristique du Baroque. Commandée par Ermete Cavalletti pour la chapelle de sa famille, Madone de Lorette est rapidement devenue l'une des œuvres les plus discutées de Caravaggio, à la fois admirée et condamnée pour son audacieux naturalisme.

La peinture est restée à son emplacement d'origine à Sant’Agostino, survivant à des siècles de changements de goût et même à la turbulence de l'occupation napoléonienne. Aujourd'hui, elle est considérée comme un tournant dans la carrière de Caravaggio, marquant son style mature et son approche radicale des sujets sacrés, rapprochant le sacré de manière choquante du monde du spectateur.