Lorsque Titien a peint Madone au Lapin en 1530, il travaillait pour l'une des femmes les plus puissantes de l'Italie de la Renaissance : Federico Gonzaga, duc de Mantoue. La peinture était un cadeau pour sa maîtresse, Isabella Boschetti, et on dit que le duc lui-même a demandé l'inclusion inhabituelle d'un lapin blanc, symbole à la fois de fertilité et de pureté. Cette commande privée, destinée à un cadre intime plutôt qu'à une grande église, a permis à Titien d'expérimenter avec la chaleur et l'informalité rarement vues dans ses œuvres religieuses de l'époque. Au cœur de la scène, la Vierge Marie est assise dans un paysage baigné de soleil, berçant doucement l'Enfant Jésus tandis que Sainte Catherine s'agenouille à côté d'eux, son regard rempli de dévotion.

Le lapin blanc, blotti sur les genoux de Marie, est un motif rare dans les représentations de la Madone, signifiant innocence et mystère de l'Incarnation. Le panier de fruits à leurs pieds fait allusion à la Passion, tandis que la douce lumière dorée baigne les figures dans un sens de réalité terrestre. Contrairement aux Madones plus formelles de Raphaël, l'approche de Titien est intime et naturelle : les figures interagissent par des gestes tendres, leur humanité soulignée par la campagne luxuriante qui s'étend derrière elles. Le parcours de la peinture reflète les fortunes changeantes des collections d'art italiennes.

Après avoir résidé à Mantoue, Madone au Lapin est entrée dans la collection de Charles Ier d'Angleterre avant d'être vendue pendant la guerre civile anglaise. Finalement, elle a trouvé son chemin vers la France et est devenue partie des collections du Louvre, où elle demeure aujourd'hui. Pour Titien, cette œuvre marque un moment de transition : il passait des couleurs riches et saturées de sa jeunesse vénitienne à un style plus nuancé et atmosphérique qui façonnerait sa carrière tardive et influencerait des générations de peintres à venir.