Peu de spectateurs réalisent que cette sombre Mater dolorosa est l'œuvre de Théodore Géricault, qui n'avait que vingt ans lorsqu'il l'a peinte en 1811. Encore plus intrigant, cette toile n'est pas une invention originale, mais une copie directe d'une composition de Jusepe de Ribera, le maître espagnol célèbre pour son réalisme brut et émotionnel. À l'époque, copier les anciens maîtres était un rite de passage essentiel pour les jeunes artistes ambitieux, et Géricault—qui secouerait plus tard le monde de l'art avec Le Radeau de la Méduse—a choisi la Madonna douloureuse de Ribera comme modèle. La peinture capture la Vierge Marie au sommet de son chagrin, les yeux levés, les lèvres entrouvertes comme si elle était prise dans un cri silencieux.

Ses mains sont pressées contre sa poitrine, les doigts tendus, tandis que les ombres profondes et la lumière vive sculptent son visage avec la même honnêteté implacable que Ribera a apportée à ses saints et martyrs. Le manteau bleu et le voile blanc sont des symboles traditionnels de pureté et de deuil, mais le coup de pinceau de Géricault, même dans cette copie précoce, laisse entrevoir l'énergie agitée qui définirait son œuvre ultérieure. Contrairement à la souffrance sereine que l'on trouve dans les Madonnas de Murillo, cette Mater dolorosa est brute, presque défiant dans sa douleur. La provenance exacte de cette peinture reste incertaine, comme c'est souvent le cas avec les copies d'étudiants de cette période.

Elle a probablement été réalisée pendant les années formatrices de Géricault au Louvre, où il a étudié les œuvres des maîtres baroques espagnols et italiens. Alors que l'original de Ribera est célébré pour son réalisme viscéral, la version de Géricault se dresse comme un témoignage de sa fascination précoce pour l'émotion intense et la lumière dramatique. Aujourd'hui, la peinture est valorisée non seulement comme une image dévotionnelle, mais comme un rare aperçu de l'éducation et des influences de l'un des esprits les plus agités du Romantisme.