Lorsque Amedeo Modigliani a exposé pour la première fois ses nus à Paris en 1917, la police est arrivée pour fermer le spectacle, scandalisée par leur sensualité franche et leur regard direct. Nu couché sur le dos appartient à cette série notoire, qui a choqué même une ville habituée à l'art audacieux. La pose sans excuses du modèle et l'érotisme ouvert de la peinture ont été perçus comme un défi à la décence publique, suscitant à la fois indignation et fascination parmi les critiques et les collectionneurs. Dans cette œuvre, le modèle est allongé sur la toile, son corps s'étendant luxueusement d'un bord à l'autre.

Contrairement aux odalisques timides de Ingres ou aux nus mythiques de Titien, la figure de Modigliani rencontre le regard du spectateur directement, ses traits stylisés en un ovale caractéristique en forme de masque de l'artiste. L'arrière-plan est réduit à des tons chauds et terreux, concentrant toute l'attention sur les membres allongés du modèle et le subtil jeu de lumière sur sa peau. Il n'y a pas de prétextes mythologiques ou de accessoires allégoriques ici — juste la célébration franche de la forme humaine, rendue avec une douceur picturale qui rappelle les nus tardifs de Renoir, mais avec une simplicité moderne, presque sculpturale. Les origines précises de Nu couché sur le dos restent incertaines ; comme beaucoup de nus de Modigliani, il a probablement été peint dans son atelier parisien à la fin des années 1910, une période marquée à la fois par un fervent élan créatif et des turbulences personnelles.

L'histoire précoce de l'œuvre n'est pas bien documentée, car de nombreuses peintures de Modigliani ont changé de mains de manière privée entre collectionneurs avant d'entrer dans des collections publiques. Aujourd'hui, la peinture se dresse comme un témoignage de la brève mais influente carrière de Modigliani, incarnant l'esprit de l'École de Paris et la fascination durable de l'artiste pour le sensuel et l'immédiat.