En 1650, un portrait de la jeune Infante Marie-Thérèse par Diego Velázquez a silencieusement lancé un mariage royal qui façonnerait l'histoire européenne. Peinte lors du deuxième voyage de Velázquez à Rome, cette image a été envoyée à Vienne comme un symbole diplomatique, présentant la princesse espagnole à ses parents Habsbourg—et, de manière cruciale, à son futur mari, le Saint Empereur Romain Léopold Ier. La peinture n'était pas simplement un portrait, mais un instrument politique, sa beauté et sa dignité destinées à parler pour Marie-Thérèse dans les salons de cours lointaines.

À une époque avant la photographie, ces portraits étaient la première rencontre entre les fiancés royaux, portant le poids des dynasties sur la toile. Velázquez capture Marie-Thérèse à environ treize ans, posant dans une robe argentée ornée de délicates rubans et perles. Son regard solennel rencontre le spectateur avec un air à la fois d'innocence et de gravité, ses mains tenant un mouchoir—un symbole de son statut et de son raffinement. Le pinceau du peintre s'attarde sur les textures : le tissu scintillant, la douce chute de ses cheveux, le subtil rougissement de la jeunesse.

Contrairement aux portraits rigides et formels des Habsbourg précédents, l'approche de Velázquez est intime, la lumière caressant son visage et la séparant de l'arrière-plan sombre et neutre. Comparée aux portraits de cour de Anthony van Dyck, qui idéalisaient souvent leurs sujets, la Marie-Thérèse de Velázquez semble ancrée dans la réalité, son humanité brillant à travers les ornements de la royauté. Le parcours de la peinture reflète son but diplomatique : peu après son achèvement, elle a voyagé de Rome à Vienne, où elle a été reçue par la famille impériale. Au fil du temps, plusieurs versions et copies ont été réalisées, comme il était d'usage pour les portraits royaux destinés à des alliances politiques.

Le lieu actuel de l'original est débattu parmi les chercheurs, certains attribuant la version principale au Kunsthistorisches Museum de Vienne, tandis que d'autres pointent vers des œuvres de la propre collection du Prado. Quoi qu'il en soit, le portrait se dresse comme un témoignage du style tardif de Velázquez—marqué par un coup de pinceau plus lâche et une profondeur psychologique—et du rôle central de l'art dans le théâtre du pouvoir européen.