Lorsque Edgar Degas a exposé Le jockey blessé en 1897, cela a marqué un rare retour au thème des courses de chevaux après plus de deux décennies. Degas avait d'abord abordé le monde des hippodromes dans les années 1860, mais cette œuvre tardive se distingue par son sens de la mélancolie et de l'introspection, plutôt que par l'excitation de la compétition. Les chercheurs débattent depuis longtemps si le ton sombre de la peinture reflète la santé déclinante et la vue de Degas, qui le tourmentaient dans ses dernières années.

La peinture est également remarquable par son apparence inachevée, avec des coups de pinceau visibles et des zones qui semblent avoir été abandonnées brusquement, suggérant un processus agité et en quête. Au cœur de la composition se trouve le jockey tombé, affalé et étourdi, tandis que son cheval attend patiemment à proximité. Le moment choisi par Degas n'est pas la victoire triomphante, mais les conséquences vulnérables d'une chute — une vue rare dans l'art sportif, qui célèbre généralement la victoire ou l'action. Les verts et bruns atténués du paysage pressent, tandis que les autres cavaliers au loin continuent comme si de rien n'était, soulignant l'isolement de l'homme blessé.

Le corps inerte du jockey, la tête baissée du cheval et la lumière incertaine se combinent pour évoquer un sentiment de défaite et de résistance. Comparé aux scènes de course de Théodore Géricault, qui pulsèrent d'énergie et de clarté, la vision de Degas est plus silencieuse, plus psychologique, attirant le spectateur dans le monde privé de la douleur et de la récupération. Le parcours exact de Le jockey blessé après son achèvement n'est pas entièrement documenté, mais on sait qu'il est resté dans l'atelier de Degas jusqu'à sa mort en 1917, avec de nombreuses autres œuvres tardives. Contrairement à ses peintures antérieures de courses, qui ont rapidement intégré des collections privées et publiques, cette pièce n'a pas été largement exposée de son vivant.

Aujourd'hui, elle est conservée à la National Gallery of Art à Washington, D.C., où elle offre un poignant contrepoint aux scènes de ballet plus célèbres de Degas. Dans le contexte de sa carrière, elle se dresse comme un témoignage de sa fascination de toute une vie pour le mouvement et le corps humain, et de sa volonté, même dans sa vieillesse, de confronter de nouveaux territoires émotionnels.