En 1639, Peter Paul Rubens a peint Le Martyre de Saint André pour le noble espagnol Don Diego Messía, Marquis de Leganés, qui était un collectionneur et mécène des arts de premier plan. Cette commande est survenue à la toute fin de la vie de Rubens, juste un an avant sa mort, et fait partie des plusieurs versions qu'il a créées du martyre du saint, chacune avec ses propres nuances. La renommée de la peinture s'est rapidement répandue ; elle a été copiée par des artistes à travers l'Europe, et même Diego Velázquez aurait admiré sa composition dramatique lors de ses voyages.

L'impact immédiat de l'œuvre témoigne de l'influence durable de Rubens dans la phase finale du Baroque. La toile capture le moment où Saint André, lié à la croix en forme de X qui deviendrait son symbole, regarde vers le ciel tandis que les bourreaux sécurisent les cordes. Rubens choisit de ne pas montrer la violence à son paroxysme, mais plutôt la préparation tendue, en se concentrant sur l'acceptation calme d'André. Les bras tendus du saint et son visage illuminé attirent le regard du spectateur, tandis que les bourreaux musclés — rendus avec l'énergie caractéristique de Rubens — incarnent la lutte terrestre.

L'élan diagonal de la croix et les drapés tourbillonnants injectent du mouvement dans la scène, contrastant avec la sérénité du martyr. Comparé à la Crucifixion de Saint André plus sombre et plus brutale de Caravaggio, la version de Rubens met l'accent sur le triomphe spirituel sur la souffrance. Après sa création, Le Martyre de Saint André est resté dans des collections espagnoles pendant des siècles, passant entre les mains d'aristocrates et survivant aux bouleversements de la guerre et du changement politique. L'attribution de la peinture n'a jamais été sérieusement remise en question, grâce au style distinctif de Rubens et à la documentation survivante de la commande.

Aujourd'hui, elle est conservée au Museo de Arte de Mexico, un témoignage de l'influence étendue de l'art flamand. En tant qu'une des dernières œuvres religieuses de Rubens, elle se dresse comme une synthèse de son style tardif : dynamique, profondément humain et vivement dramatique.