En 1630, la puissante famille Gonzaga de Mantoue a commandé à Peter Paul Rubens une série de toiles mythologiques, parmi lesquelles La Colère d'Achille. Cette œuvre capture l'esprit tumultueux de l'Iliade d'Homère à une époque où les cours européennes rivalisaient pour afficher leur érudition et leur goût à travers de grands cycles de légendes anciennes. La peinture de Rubens est l'une des plusieurs versions qu'il a produites sur ce thème, chacune explorant une nuance différente de la légendaire fureur d'Achille.

Le voyage de la peinture de Mantoue à l'Espagne reflète les fortunes changeantes de ses mécènes, les œuvres d'art devenant souvent des cadeaux diplomatiques ou des dépouilles de guerre. Rubens choisit le moment où Achille, enragé par la mort de son ami Patrocle, refuse les supplications des envoyés du roi Agamemnon. Le héros, armé et inflexible, se détourne des figures suppliantes, son visage rougi par la colère, tandis que la lumière dorée joue sur sa forme musclée, soulignant à la fois sa beauté et sa rage. Les gestes sont théâtraux : la main d'Achille levée en refus, les paumes ouvertes des envoyés en supplication, et la présence de Briséis—la captive d'Achille—dont le destin est la cause de la querelle.

Contrairement au traitement néoclassique ultérieur de Jacques-Louis David, Rubens inonde la scène de mouvement émotionnel et de drapés tourbillonnants, incarnant le chaos du camp grec. Le médium exact de La Colère d'Achille reste incertain, bien que Rubens ait le plus souvent travaillé à l'huile sur toile pour de telles commandes. Après sa création, la peinture est entrée dans les collections royales espagnoles, probablement dans le cadre des échanges diplomatiques entre Mantoue et Madrid, et a finalement été logée au Museo del Prado, où elle peut être vue aujourd'hui. Cette œuvre se situe au sommet de la période mature de Rubens, lorsque sa réputation internationale en tant que principal peintre du Baroque était fermement établie.

Malgré le manque de dossiers détaillés sur ses premiers voyages, l'énergie dramatique et la clarté narrative de la peinture ont assuré sa place parmi les grandes toiles mythologiques du XVIIe siècle.