Nel 1630, la potente famiglia Gonzaga di Mantova commissionò a Peter Paul Rubens la creazione di una serie di tele mitologiche, tra cui L'ira di Achille. Quest'opera cattura lo spirito tempestoso dell'Iliade di Omero in un momento in cui le corti europee competevano per mostrare la loro erudizione e il loro gusto attraverso grandiosi cicli di leggende antiche. Il dipinto di Rubens è una delle diverse versioni che ha prodotto su questo tema, ognuna delle quali esplora una diversa sfumatura della leggendaria furia di Achille.

Il viaggio del dipinto da Mantova alla Spagna riflette le fortune mutevoli dei suoi mecenati, poiché le opere d'arte spesso diventavano regali diplomatici o bottini di guerra. Rubens seleziona il momento in cui Achille, infuriato per la morte del suo amico Patroclo, rifiuta le suppliche degli inviati del re Agamennone. L'eroe, armato e inflessibile, si allontana dalle figure supplicanti, il suo volto arrossato dalla rabbia, mentre la luce dorata gioca sulla sua forma muscolosa, enfatizzando sia la sua bellezza che la sua ira. I gesti sono teatrali: la mano di Achille alzata in segno di rifiuto, le palme aperte degli inviati in supplica, e la presenza di Briseide—la prigioniera di Achille—il cui destino è la causa della contesa.

A differenza del successivo trattamento neoclassico di Jacques-Louis David, Rubens inonda la scena di movimento emotivo e drappeggi vorticosi, incarnando il caos del campo greco. Il mezzo esatto di L'ira di Achille rimane incerto, sebbene Rubens lavorasse più spesso a olio su tela per tali commissioni. Dopo la sua creazione, il dipinto entrò nelle collezioni reali spagnole, probabilmente come parte degli scambi diplomatici tra Mantova e Madrid, e fu infine ospitato nel Museo del Prado, dove può essere visto oggi. Quest'opera si colloca all'apice del periodo maturo di Rubens, quando la sua reputazione internazionale come principale pittore del Barocco era saldamente consolidata.

Nonostante la mancanza di registrazioni dettagliate sui suoi primi viaggi, l'energia drammatica e la chiarezza narrativa del dipinto hanno garantito il suo posto tra i grandi dipinti mitologici del XVII secolo.