Quando Toilette del mattino entrò nel panorama pubblico nel 1893, riaccese la discussione sulla fascinazione di Edgar Degas per i rituali privati delle donne. Quest'opera appartiene a una serie tardiva in cui Degas, ormai quasi cieco, si volse sempre più verso i pastelli e le tecniche miste, sovrapponendo colore e texture con un audacia che sorprese anche i suoi ammiratori. I critici dell'epoca notarono l'intimità che sfiorava l'intrusione, con alcuni che accusavano Degas di voyeurismo, mentre altri lodavano la sua onestà inflessibile.

Il dipinto è spesso citato come un esempio chiave di come Degas sfumò il confine tra osservazione e invenzione, utilizzando memoria e immaginazione per ricostruire ciò che non poteva più vedere chiaramente. La scena cattura una donna nel bel mezzo della sua routine mattutina, con la schiena rivolta verso lo spettatore mentre si piega verso un bacino, la sua forma incorniciata dalla dolce luce del mattino. Gli oggetti sparsi—un asciugamano appoggiato su una sedia, un pettine inoperoso—parlano dell'ordinarietà del momento, eppure l'attenzione di Degas alla curva della sua colonna vertebrale e al gioco di ombre sulla sua pelle conferisce alla scena un dramma silenzioso. L'assenza del volto della donna ci invita a testimoniare l'atto senza invadere la sua identità, un espediente che Degas usò per enfatizzare il gesto rispetto alla personalità.

A differenza dei lussureggianti e idealizzati bagnanti di Pierre-Auguste Renoir, l'approccio di Degas è disincantato, quasi clinico, concentrandosi sulla fisicità del corpo e sul rituale stesso. Il mezzo preciso di Toilette del mattino rimane incerto, sebbene sia caratteristico degli esperimenti tardivi di Degas con pastello, gouache e persino monotipo. La provenienza iniziale del dipinto non è chiara; probabilmente rimase nello studio dell'artista fino alla sua morte nel 1917, dopo la quale molte delle sue opere furono disperse in una serie di vendite. Oggi, è riconosciuto come un esempio significativo dello stile tardivo di Degas, riflettendo sia la sua innovazione tecnica che le sue complesse opinioni sulla vita moderna.

Il percorso dell'opera dallo studio privato alla collezione pubblica rispecchia le attitudini in cambiamento verso l'intimità e la privacy nell'arte all'inizio del secolo.