Quando William Blake espose Il Corpo di Cristo Portato al Sepolcro nel 1808, lo fece insieme a un'opera complementare, La Sepoltura, segnando un momento raro in cui l'artista cercò il riconoscimento pubblico per la sua arte religiosa visionaria. A differenza della maggior parte delle sue opere, che spesso erano commissionate privatamente o circolavano in piccoli circoli, questi dipinti furono creati per Thomas Butts, un devoto mecenate che incoraggiò le esplorazioni bibliche di Blake. L'abbinamento di queste scene—una che mostra il corpo di Cristo portato, l'altra la sua sepoltura—invita gli spettatori a meditare sul passaggio tra morte e resurrezione, un tema che ha occupato Blake per tutta la sua carriera. Il dipinto cattura il momento straziante dopo la crocifissione, mentre i seguaci di Cristo portano il suo corpo senza vita verso il sepolcro.

Nella reinterpretazione di Blake, le figure sono allungate, i loro volti segnati dal dolore e dall'ammirazione, mentre il sudario che avvolge Cristo brilla di una luce soprannaturale. I gesti dei lutti—le braccia tese di Maria, la testa chinata di Nicodemo—attraggono lo sguardo verso la figura centrale di Cristo, la cui serenità contrasta con l'angoscia intorno a lui. A differenza del pesante realismo de La Sepoltura di Cristo di Caravaggio, la visione di Blake è priva di dettagli materiali, concentrandosi invece sulla presenza spirituale: la luce sembra emanare non da alcuna candela o sole, ma da Cristo stesso, suggerendo speranza in mezzo alla disperazione. Il medium originale di Il Corpo di Cristo Portato al Sepolcro rimane incerto, anche se si ritiene sia tempera o acquerello su tela, tipico dell'approccio sperimentale di Blake all'inizio del XIX secolo.

Dopo la sua creazione per Thomas Butts, il dipinto rimase in mani private per molti anni e non fu ampiamente visto dal pubblico. Oggi è conservato alla Tate di Londra, dove si erge come un testimone della singolare fusione di poesia, pittura e misticismo di Blake. L'opera segna un periodo in cui Blake, spesso trascurato dai suoi contemporanei, stava silenziosamente tracciando un percorso che in seguito avrebbe assicurato la sua reputazione come uno degli artisti più originali del movimento romantico.