Quando Peter Paul Rubens dipinse La lamentazione di Cristo con San Francesco, 1617-, era già celebrato in tutta Europa, ma questa composizione si distingue per l'inusuale inclusione di San Francesco d'Assisi ai piedi della Croce, una figura assente nel racconto biblico della Lamentazione. Il dipinto fa parte di una tradizione in cui santi di secoli successivi vengono inseriti in scene sacre, riflettendo i desideri dei mecenati o le pratiche devozionali dell'epoca. Questa fusione di tempo e devozione era particolarmente popolare tra i mecenati francescani, che cercavano di enfatizzare l'intimità spirituale del loro fondatore con Cristo.

Le circostanze esatte della commissione di questo dipinto rimangono poco chiare, ma il suo soggetto e la sua composizione suggeriscono un contesto o un mecenate francescano. La scena scelta da Rubens è il momento dopo che Cristo è stato tolto dalla Croce, il suo corpo privo di vita sorretto dalla Vergine Maria e pianto dai suoi seguaci. San Francesco si inginocchia ai piedi di Cristo, con le mani tese in un gesto di umiltà e dolore, il suo abito marrone lo identifica come il caro fondatore dell'ordine francescano. La luce drammatica cade sul torso pallido di Cristo, attirando lo sguardo sulla ferita al suo fianco, mentre i ricchi rossi e blu della drapperia intensificano l'emozione.

La composizione dinamica di Rubens e le figure muscolose richiamano l'influenza di Michelangelo, ma l'inclusione di San Francesco distingue quest'opera dalle precedenti rappresentazioni italiane della Lamentazione, come le versioni più contenute e intime di Correggio. Sebbene il mezzo di La lamentazione di Cristo con San Francesco, 1617- non sia registrato, le grandi opere religiose di Rubens di questo periodo erano tipicamente eseguite in olio su tela. La provenienza del dipinto non è completamente documentata, ma riflette la prolifica produzione dell'artista durante i suoi anni ad Anversa, quando dirigeva un laboratorio fiorente e riceveva commissioni da chiese e mecenati privati in tutta Europa. Oggi, il dipinto è conservato nel Museo del Prado, dove si erge come un testimone della capacità di Rubens di mescolare il realismo nordico con la grandezza italiana e di adattare storie sacre alle esigenze devozionali dei suoi mecenati.

Il suo posto nella carriera di Rubens segna l'apice del suo impegno con temi religiosi, combinando potere narrativo con brillantezza pittorica.