Quando Peter Paul Rubens dipinse Teresa d'Avila nel 1615, si trovava al culmine delle sue capacità, tornato fresco dall'Italia e molto richiesto in tutta Europa. Ciò che rende quest'opera particolarmente affascinante è che appartiene a un gruppo di dipinti che Rubens creò per l'Ordine Carmelitano, desideroso di promuovere il culto della loro mistica spagnola, canonizzata solo poche decadi prima nel 1622. Il dipinto ha svolto un ruolo nella campagna della Riforma Cattolica per ispirare una fede rinnovata attraverso le vite dei santi, e l'interpretazione di Rubens è diventata un punto di riferimento per le rappresentazioni successive di Teresa.

Gli studiosi notano che la visione di Rubens sulla santa è stata così influente da plasmare l'iconografia di Teresa per generazioni. Rubens sceglie di catturare Santa Teresa nel momento culminante della sua visione estatica, il momento in cui, secondo i suoi scritti, si sentì trafitta dalla freccia dorata di un serafino. Gli occhi della santa sono rivolti verso l'alto, le sue mani premute sul petto, come se fosse bloccata tra il dolore e l'estasi. Un cherubino fluttua nelle vicinanze, tenendo la freccia, mentre una calda luce dorata avvolge Teresa, separandola dal mondo ombreggiato sottostante.

Le drappeggiature ondeggianti e le nuvole vorticosi intensificano il senso di movimento e intervento divino. Rispetto alla successiva Estasi di Santa Teresa di Bernini, la versione di Rubens è più intima, concentrandosi sul dramma interiore piuttosto che sullo spettacolo teatrale. La provenienza esatta di Teresa d'Avila non è chiara, poiché la storia iniziale del dipinto non è ben documentata, ma si crede che sia stata commissionata da un mecenate carmelitano ad Anversa. Nel corso dei secoli, l'opera è passata attraverso diverse collezioni private, a volte erroneamente attribuita allo studio di Rubens o ai suoi seguaci a causa della sua popolarità e del numero di copie prodotte.

Oggi è riconosciuta come un autentico Rubens, celebrata per la sua profondità psicologica e il suo colore vibrante. Il dipinto si erge come un testimone della capacità di Rubens di unire intensità spirituale e potere sensuale dello stile Barocco.