Quando Donna che si Pettina è stata esposta per la prima volta nel 1886, ha suscitato sia ammirazione che confusione: i critici hanno notato come Edgar Degas si fosse allontanato dalle sue precedenti scene di balletto per concentrarsi sui rituali privati e non protetti delle donne nelle loro case. Questo dipinto è uno di un piccolo gruppo che Degas creò a metà degli anni '80, tutti esplorando l'intimo atto di pettinarsi - un tema a cui tornò ripetutamente, affascinato dalla sua grazia quotidiana e dalla sfida che poneva alle nozioni tradizionali di bellezza nell'arte. L'identità del modello rimane incerta, aggiungendo alla sensazione di universalità e anonimato che pervade la serie. In questa scena, cogliamo un momento di tensione e tenerezza: una donna è seduta, di spalle rispetto allo spettatore, mentre un'altra le pettina con cura i lunghi capelli castani.

La composizione guida lo sguardo lungo la curva della colonna vertebrale della donna seduta e il movimento dei suoi capelli, mentre la prospettiva ravvicinata e ritagliata e i colori caldi e attenuati creano una sensazione di chiusura. Le braccia della donna sono sollevate, il suo corpo si torce leggermente - una posa che sottolinea sia la vulnerabilità che la forza. A differenza delle bagnanti levigate e mitologiche di Ingres, il soggetto di Degas non è idealizzato, il suo disagio e la sua fatica sono visibili.

L'atto di curarsi, solitamente nascosto dalla vista pubblica, diventa un dramma silenzioso di cura e resistenza. Il mezzo esatto di Donna che si Pettina non è sempre menzionato, ma Degas stava sperimentando in quegli anni con pastelli, olio e combinazioni di entrambi, sovrapponendo i colori per ottenere una morbidezza e un'immediatezza uniche nel suo lavoro tardivo. La provenienza del dipinto è tipica di molte opere di Degas: probabilmente venduto tramite il mercante Paul Durand-Ruel, è passato attraverso collezioni private prima di trovare il suo posto in un grande museo. Questo periodo segna un punto di svolta per Degas, poiché si ritirò dalla vita pubblica e si concentrò su scene di interni domestici, spingendo i confini della composizione e della tecnica.

Oggi, il dipinto si erge come una testimonianza della sua incessante osservazione della vita moderna e del suo rifiuto di idealizzare ciò che vedeva.