Arte contemporanea: cos'è, caratteristiche e artisti

L'arte contemporanea è l'arte del presente e del passato recente. La Tate la descrive come l'arte di oggi e di un passato relativamente recente, di natura innovativa o d'avanguardia. Il vocabolario artistico del Getty aggiunge che il termine si riferisce solo al momento in cui un'opera è stata fatta, non a uno stile, e che a volte si usa in senso più stretto per l'arte dal 1960 o dal 1970 circa a oggi.

Fonti: Tate: Contemporary art · Getty AAT: Contemporary (stile artistico)

L'arte contemporanea si fa iniziare di solito verso il 1960 o il 1970, ma non c'è una data fissa. Il vocabolario artistico del Getty indica il 1960 o il 1970 circa. La Tate nota che i musei scelgono in modo diverso: l'Institute of Contemporary Arts di Londra, fondato nel 1947, sostiene l'arte da quell'anno in poi, il New Museum of Contemporary Art di New York sceglie il 1977, e negli anni Ottanta la Tate progettò un museo in cui «contemporaneo» voleva dire gli ultimi dieci anni, in modo mobile. La Tate fa risalire al 1970 circa il primo uso della parola postmodernismo, per il periodo successivo al modernismo.

Fonti: Getty AAT: Contemporary (stile artistico) · Tate: Contemporary art · Tate: Postmodernism

L'arte contemporanea non è una sola corrente ma un periodo, che ne comprende molte. La Tate dice che il postmodernismo, l'arte venuta dopo il modernismo, non ha un unico stile né un'unica teoria: si può far cominciare con la Pop art negli anni Sessanta e comprende l'arte concettuale, il neoespressionismo, l'arte femminista e gli Young British Artists degli anni Novanta. Correnti come il minimalismo e l'arte concettuale fiorirono negli anni Sessanta e Settanta, e l'installazione e la performance diventarono modi affermati di fare arte.

Fonti: Tate: Postmodernism · Tate: Minimalism · Tate: Conceptual art · Tate: Performance art

L'arte contemporanea non ha un aspetto unico, ma spesso mette l'idea al primo posto, mescola stili e tecniche, prende dalla cultura popolare e usa l'ironia. La Tate dice che l'arte postmoderna abbatté il confine fra cultura alta e cultura popolare e fra arte e vita quotidiana. Nell'arte concettuale l'idea conta più dell'oggetto finito; l'installazione occupa spesso una stanza che lo spettatore attraversa; la performance è fatta di azioni dell'artista o di altri. La Tate dice che opere fatte di oggetti quotidiani, come «My Bed» di Tracey Emin (1998), si possono definire readymade.

Fonti: Tate: Postmodernism · Tate: Conceptual art · Tate: Installation art · Tate: Performance art · Tate: Readymade

Gli artisti contemporanei con voci enciclopediche nel maggior numero di lingue sono Banksy, Marina Abramović, David Hockney, Yayoi Kusama, Fernando Botero, Keith Haring, Ai Weiwei e Jean-Michel Basquiat, secondo il nostro conteggio di novembre 2026. Fra gli altri nomi molto noti ci sono Joseph Beuys, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Anselm Kiefer, Cindy Sherman, Jeff Koons e Damien Hirst, che la Tate definisce il più celebre, o famigerato, degli Young British Artists. Le loro opere sono ancora protette dal diritto d'autore, quindi le citiamo senza mostrarle.

Fonti: Tate: Young British Artists (YBAs) · Tate: Postmodernism

Fra gli artisti contemporanei italiani più noti c'è Maurizio Cattelan (Padova, 1960), che Pirelli HangarBicocca definisce uno degli artisti italiani più importanti al mondo, autore da trent'anni di azioni provocatorie e irriverenti che usano immagini iconiche per accendere il dibattito pubblico. Prima di lui l'Arte povera, movimento radicale italiano fra la fine degli anni Sessanta e gli anni Settanta battezzato nel 1967 dal critico Germano Celant, usò materiali quotidiani come terra, stracci e rametti: la Tate cita fra i suoi artisti Michelangelo Pistoletto, Mario e Marisa Merz, Jannis Kounellis, Giuseppe Penone, Alighiero Boetti e Pino Pascali. Le loro opere sono protette dal diritto d'autore.

Fonti: Pirelli HangarBicocca: Maurizio Cattelan, Breath Ghosts Blind (mostra, 2021–2022) · Tate: Arte povera

Fra le opere d'arte contemporanea più note: l'«Angel of the North» d'acciaio di Antony Gormley (1998) in Inghilterra, il «Cloud Gate» di Anish Kapoor (2004) a Chicago, «The Dinner Party» di Judy Chicago (1979) al Brooklyn Museum e lo squalo in formaldeide di Damien Hirst, «The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living» (1991). Fra i dipinti realizzati dal 1970, «Love is in the Bin» di Banksy (2018) e il «Ritratto di un artista (Piscina con due figure)» di Hockney (1972) hanno voci nel maggior numero di lingue. La Tate conserva «Mr and Mrs Clark and Percy» di Hockney (1970–1971), «My Bed» di Emin (1998) e «Sunflower Seeds» di Ai Weiwei (2010).

Fonti: Tate: David Hockney, Mr and Mrs Clark and Percy (Il signore e la signora Clark e Percy) · Tate: Tracey Emin, My Bed · Tate: Ai Weiwei, Sunflower Seeds (Semi di girasole)

La pittura contemporanea è la pittura del nostro tempo: per il vocabolario artistico del Getty «contemporaneo» indica solo quando un'opera è stata fatta, non uno stile, e in senso stretto l'arte dal 1960 o dal 1970 circa a oggi. Negli anni Settanta dominavano il minimalismo e l'arte concettuale, e negli anni Ottanta la pittura tornò al centro con il neoespressionismo, che la Tate descrive come una grande rinascita della pittura in maniera espressionista: Julian Schnabel negli Stati Uniti, Paula Rego in Gran Bretagna, i Neue Wilden in Germania, la Transavanguardia in Italia. Quasi tutta è ancora protetta dal diritto d'autore, quindi non la mostriamo.

Fonti: Getty AAT: Contemporary (stile artistico) · Tate: Neo-expressionism (neoespressionismo)

Perché sono ancora protette dal diritto d'autore, e questo sito offre solo opere di pubblico dominio. Nell'Unione europea e nel Regno Unito il diritto d'autore su un dipinto dura fino a 70 anni dopo la morte dell'artista; negli Stati Uniti le opere create dal 1978 sono protette per la vita dell'artista più 70 anni. I musei seguono la stessa regola: l'Art Institute of Chicago, che regala le sue immagini di pubblico dominio con licenza CC0, dice che molte delle sue opere sono coperte dal diritto d'autore e per queste non offre il download.

Fonti: La tua Europa (Unione europea): diritto d'autore · GOV.UK: How long copyright lasts (durata del diritto d'autore) · Biblioteca della Cornell University: Copyright Term and the Public Domain · Art Institute of Chicago: immagini in open access

L'opera di ogni artista diventa di pubblico dominio il 1° gennaio successivo al settantesimo anno dalla morte, nell'Unione europea, nel Regno Unito e negli altri Paesi con la stessa regola. Andy Warhol morì nel 1987, quindi lì le sue opere sono protette fino alla fine del 2057; Jean-Michel Basquiat (morto nel 1988) fino alla fine del 2058; Keith Haring (morto nel 1990) fino alla fine del 2060; e David Hockney e Yayoi Kusama, morti entrambi nel 2026, fino alla fine del 2096. Le opere degli artisti viventi resteranno protette per decenni.

Fonti: La tua Europa (Unione europea): diritto d'autore · GOV.UK: How long copyright lasts (durata del diritto d'autore) · PBS NewsHour: David Hockney dies at 88 (giugno 2026) · OPB/NPR: Yayoi Kusama has died at 97 (agosto 2026)

Pochissima. Un artista o i suoi eredi possono rinunciare ai propri diritti con una dedica al pubblico dominio come la CC0, che Creative Commons descrive come un modo per rinunciare a ogni diritto d'autore nella misura massima consentita dalla legge, ma pochi lo fanno. I musei che pubblicano immagini con CC0, come l'Art Institute of Chicago, lo fanno solo per opere già di pubblico dominio. Una licenza non è la stessa cosa: la famiglia di un artista può condividere immagini con una licenza come la CC BY-SA, che richiede comunque di citare l'autore e di usare la stessa licenza.

Fonti: Creative Commons: strumenti per il pubblico dominio (CC0) · Art Institute of Chicago: immagini in open access

Le artiste del nostro tempo con voci enciclopediche nel maggior numero di lingue sono Marina Abramović, Yayoi Kusama, Louise Bourgeois e Cindy Sherman, seguite da Shirin Neshat, Judy Chicago, Tracey Emin, Bridget Riley e Marlene Dumas. La Tate cita Agnes Martin fra le principali minimaliste degli anni Sessanta e Settanta, e mostra il manifesto delle Guerrilla Girls del 1989 che chiedeva «Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?» come esempio di arte postmoderna.

Fonti: Tate: Minimalism · Tate: Postmodernism