No final da década de 1570, o patriciado e colecionador veneziano Jacopo Soranzo encomendou uma série de telas mitológicas a Tintoretto, buscando rivalizar com a grandeza das coleções dos Medici em Florença. Entre elas, Apolo e as Musas se destaca, não apenas por sua escala, mas pelo fato de que foi concebida como parte de um ciclo decorativo para o studiolo privado de Soranzo, um espaço dedicado ao aprendizado e às artes. O contexto original da pintura, cercada de livros e instrumentos científicos, a transformou em um manifesto visual da união entre poesia, música e conhecimento, refletindo as ambições intelectuais de seu patrono. No coração da cena, Tintoretto captura o momento em que Apolo, com a lira em mãos, preside sobre as nove Musas enquanto elas se reúnem no Monte Helicon.

O gesto amplo do deus convoca as Musas à ordem, cada uma identificável por seu atributo: um globo para Urania, um pergaminho para Calíope, uma máscara para Tália. A composição irrompe em movimento: drapeados giram, braços se estendem, olhares se cruzam, enquanto uma luz dourada varre as figuras, unindo-as em uma radiante comunhão. Ao contrário da serena harmonia do Parnaso de Rafael, a visão de Tintoretto é inquieta e teatral, enfatizando a energia da inspiração em vez de sua calma. O meio preciso de Apolo e as Musas permanece incerto, embora óleo sobre tela seja provável, de acordo com a prática veneziana da época.

Após a morte de Soranzo, o paradeiro da pintura foi perdido por um tempo, algo típico de muitas encomendas privadas na Veneza do final do Renascimento. Ela ressurgiu no século XIX, atribuída de várias formas a Tintoretto e seu ateliê, antes que o consenso acadêmico afirmasse a mão do mestre em seu design e execução. Hoje, a pintura é reconhecida como uma obra tardia, criada quando Tintoretto estava no auge de sua fama, e continua a ser estudada por sua ousada composição e seu lugar dentro da produção mitológica tardia do artista.