Nenhuma das versões de Cristo na Cruz em uma Paisagem de El Greco é exatamente igual, e esta pintura de 1578 é uma das várias que ele criou sobre o tema da Crucificação; cada uma é uma meditação sobre o sofrimento e a redenção, cada uma uma variação em humor, cenário e gesto. A proliferação dessas imagens nos primeiros anos espanhóis de El Greco fala tanto do fervor devocional de seus patronos quanto da própria experimentação inquieta do artista. Ao contrário dos Calvários lotados preferidos por seus contemporâneos, esta obra se destaca por seu Cristo solitário, suspenso em uma paisagem em vez de pressionado em meio a uma multidão de enlutados ou soldados. No momento que El Greco escolheu, Cristo pende sozinho contra um céu tempestuoso e sobrenatural, seu corpo alongado, braços estendidos, a cruz enraizada em um campo selvagem, quase irreal.

A terra abaixo está vazia de figuras, enfatizando o isolamento do sacrifício. A luz não vem de cima, mas parece irradiar da própria forma de Cristo, seu corpo pálido um farol contra a escuridão. Esta abordagem difere drasticamente, por exemplo, das Crucificações lotadas e terrenas de Tiziano, onde o drama é comunitário.

Aqui, a paisagem não é Jerusalém, mas uma visão; talvez um terreno espiritual, talvez o deserto da alma. Pouco se sabe sobre o patrono original ou a história inicial desta pintura, um destino comum para muitas obras do início do período toledano de El Greco. Seu meio permanece incerto, embora óleo sobre tela seja provável, dada a prática do artista na época. Ao longo dos séculos, versões deste tema por El Greco viajaram amplamente, às vezes mal atribuídas ou ofuscadas por seus retábulos posteriores e mais teatrais.

Hoje, Cristo na Cruz em uma Paisagem é reconhecido como um momento chave no desenvolvimento do artista, ligando sua formação veneziana e o estilo visionário que definiria seus anos espanhóis. É um testemunho da capacidade de El Greco de transformar um tema familiar em algo assombrosamente novo.