В 1630 году Питер Пауль Рубенс обратился к эпическому кульминационному моменту Илиады за вдохновением, запечатлев момент, который преследовал поэтов и художников на протяжении веков: смерть Гектора от руки Ахиллеса. Это не был первый случай, когда Рубенс исследовал гомеровские темы, но его трактовка этого поединка была настолько восхитительна, что в его жизни среди коллекционеров циркулировали несколько версий и копий. Слава картины быстро распространилась благодаря гравюрам, а ее динамичная композиция стала образцом для последующих художников, работающих над сценами героического боя. Рубенс захватывает момент, когда Ахиллес, охваченный яростью из-за смерти Патрокла, триумфально стоит над безжизненным телом Гектора.

Рука Ахиллеса поднята, его доспехи сверкают, когда он готов осквернить своего поверженного врага, таща его за своим колесницей — жест, который символизирует как месть, так и трагический цикл насилия в эпосе. Вихревые драпировки, мускулистые тела и бурное небо усиливают драму, в то время как безжизненная фигура Гектора, все еще одетая в его роскошные троянские доспехи, напоминает зрителям о цене славы. В отличие от более позднего неоклассического сдерживания Жака-Луи Давида в Гневе Ахиллеса, Рубенс передает энергию и эмоциональный избыток Барокко, заполняя холст движением и страданием. Точные происхождения этой конкретной версии Ахиллес побеждает Гектора остаются несколько неопределенными, так как Рубенс и его мастерская создали несколько трактовок этой темы, часто для аристократических покровителей, стремящихся продемонстрировать свои знания и вкус.

Некоторые искусствоведы предполагают, что она была заказана испанским дворянином, что отражает тесные связи между Рубенсом и испанским двором. На протяжении веков картина путешествовала по различным частным коллекциям, иногда ошибочно приписывалась или путалась с репликами студии. Сегодня она стоит как свидетельство увлечения Рубенса классическим героизмом и его способности переводить древний миф в визуальный язык Барокко.