Als Tintoretto 1597 den Auftrag für Apoll und die Musen erhielt, war dies als Teil eines großangelegten dekorativen Schemas für den Dogenpalast in Venedig gedacht, das die Künste als Grundpfeiler des bürgerlichen Stolzes feierte. Das Gemälde hebt sich als eines der späten mythologischen Werke des Künstlers hervor, das in den letzten Jahren seines Lebens entstand, als seine Pinselstriche immer energischer und seine Kompositionen gewagter wurden. Im Gegensatz zu vielen mythologischen Leinwänden der Zeit war dieses Werk nicht für ein privates Studiolo bestimmt, sondern für einen öffentlichen Raum, was die Ausrichtung der Republik auf die Ideale von Harmonie, Musik und Poesie signalisiert, die von Apollon und seinem Gefolge verkörpert werden.

Der Auftrag selbst spiegelt den Wunsch der venezianischen Elite wider, ihre Stadt mit der Weisheit und Kreativität der antiken Welt zu verbinden. Im Herzen des Gemäldes spielt Apollon, mit Lorbeer gekrönt, seine Leier, umgeben von den neun Musen, von denen jede eine andere Kunst oder Wissenschaft repräsentiert. Tintoretto wählt den Moment, in dem der Gott seine Gefährten inspiriert, ihre Gesichter ihm in gebannter Aufmerksamkeit zugewandt, ihre Gesten lebhaft – eine Muse hält eine Schriftrolle, eine andere eine Theatermaske, eine dritte hebt einen Himmelsglobus. Die wirbelnde Anordnung und das dramatische Licht ziehen das Auge in eine Spirale, die die imaginierte Bewegung der Musik durch die Luft widerspiegelt.

Die charakteristische lockere Pinseltechnik des Künstlers und die theatralen Licht- und Schattenkontraste erinnern an sein früheres Paradies im selben Palast, doch hier erlaubt das mythologische Thema eine spielerischere Farbgebung und lebhafte Interaktion, die sich von den statischeren, harmonischen Darstellungen von Raphael oder Poussin unterscheiden. Das genaue Medium von Apoll und die Musen bleibt ungewiss, obwohl es wahrscheinlich Öl auf Leinwand ist, das bevorzugte Material für großformatige venezianische Werke dieser Epoche. Nach seiner Installation im Dogenpalast überstand das Gemälde das verheerende Feuer von 1577, das zuvor einen Großteil der Dekoration des Palastes zerstört hatte, ein Zeugnis für die Widerstandsfähigkeit der venezianischen Kunst. Im Laufe der Jahrhunderte wurde die Zuschreibung an Tintoretto nie ernsthaft in Frage gestellt, und das Gemälde wird heute als ein Schlüsselbeispiel seines späten Stils angesehen.

Heute bleibt es in Venedig und bietet den Betrachtern einen Einblick in die renaissancistischen Bestrebungen der Stadt und die anhaltende Kraft des Mythos, um die bürgerliche Identität zu inspirieren.