Lorsque Tintoretto a reçu la commande de Apollon et les Muses en 1597, elle était destinée à faire partie d'un grand schéma décoratif pour le Palais Ducal de Venise, célébrant les arts comme un pilier de la fierté civique. La peinture se distingue comme l'une des dernières œuvres mythologiques de l'artiste, créée dans les dernières années de sa vie, lorsque sa technique de pinceau est devenue de plus en plus énergique et ses compositions plus audacieuses. Contrairement à de nombreuses toiles mythologiques de l'époque, cette œuvre n'était pas destinée à un studiolo privé, mais à un espace public, signalant l'alignement de la République avec les idéaux d'harmonie, de musique et de poésie incarnés par Apollon et sa suite.

La commande elle-même reflète le désir de l'élite vénitienne d'associer leur ville à la sagesse et à la créativité du monde antique. Au cœur de la peinture, Apollon, couronné de laurier, joue de sa lyre, entouré des neuf Muses, chacune représentant un art ou une science différente. Tintoretto choisit le moment où le dieu inspire ses compagnons, leurs visages tournés vers lui dans une attention captivée, leurs gestes animés : une Muse tient un rouleau, une autre un masque théâtral, une troisième soulève un globe céleste. La disposition tourbillonnante et l'éclairage dramatique attirent le regard dans un spirale, faisant écho au mouvement imaginé de la musique dans l'air.

La technique de pinceau lâche caractéristique de l'artiste et les contrastes théâtraux de lumière et d'ombre rappellent son précédent Paradis dans le même palais, mais ici le sujet mythologique permet des couleurs plus ludiques et une interaction plus vive, distinctes des représentations plus statiques et harmonieuses de Raphaël ou Poussin. Le médium précis de Apollon et les Muses reste incertain, bien qu'il soit probable qu'il s'agisse d'huile sur toile, le support préféré pour les grandes œuvres vénitiennes de l'époque. Après son installation dans le Palais Ducal, la peinture a survécu au dévastateur incendie de 1577 qui avait précédemment détruit une grande partie de la décoration du palais, un témoignage de la résilience de l'art vénitien. Au fil des siècles, l'attribution à Tintoretto n'a jamais été sérieusement contestée, et la peinture est désormais considérée comme un exemple clé de son style tardif.

Aujourd'hui, elle reste à Venise, offrant aux spectateurs un aperçu des aspirations renaissantes de la ville et du pouvoir durable du mythe pour inspirer l'identité civique.