Was zuerst ins Auge fällt an Ornament der Indigenen Völker Nr. 2 von Owen Jones, ist der schiere Rhythmus der Wiederholung: Motive, die in Reihen marschieren, Linien, die über die Seite hallen, jede Musterband sowohl eigenständig als auch harmonisch mit ihren Nachbarn verwoben. Die warmen Ocker- und tiefen Brauntöne der Chromolithografie wecken das taktile Gefühl von geschnitztem Holz oder gewebter Faser und deuten auf eine Welt hin, in der Ornament nicht bloße Dekoration, sondern eine Sprache ist.

Gesichter blicken aus dem zentralen Fries hervor, ihre stilisierten Formen sind sowohl Maske als auch Wächter, während die umliegenden Bänder mit Chevrons, Dreiecken und wogenden Wellen pulsieren. Die Komposition ist fast architektonisch, als ob jeder Streifen angehoben und um einen Säule, ein Trommel oder ein zeremonielles Objekt gewickelt werden könnte, wobei sie die Erinnerung an Hände und Werkzeuge mit sich trägt. In der Mitte des 19. Jahrhunderts geschaffen, gehört diese Seite zu einer Ära, in der europäische Designer und Gelehrte wie Jones versuchten, die dekorativen Künste der Welt in enzyklopädischen Bänden zu katalogisieren.

1910 in London veröffentlicht und jetzt in der Polona Digital Library aufbewahrt, ist dieses Werk Teil einer größeren Bewegung, die sowohl das nicht-europäische Design bewunderte als auch aneignete, oft durch eine koloniale Linse. Solche Platten waren als Modelle für Architekten, Künstler und Handwerker gedacht, die den viktorianischen Hunger nach Ornament und den Glauben nährten, dass Design systematisiert und gelehrt werden könnte. Doch die Geschichte hat nur wenige Spuren der einzelnen Schöpfer hinterlassen, deren Traditionen diese Muster inspirierten – was uns als Betrachter dazu bringt, über die Distanz zwischen der Quelle und ihrer Reproduktion nachzudenken und unsere Augen erneut über die komplexe, lebendige Oberfläche wandern zu lassen.