Wenige Porträts in der spanischen Kunst haben so viel Neugier geweckt wie das Porträt der Marquesa de Santa Cruz von Francisco de Goya. Als die Marquesa, María Joaquina Téllez-Girón, 1805 für Goya posierte, war sie nicht nur eine der bewunderten Schönheiten Madrids, sondern auch eine gefeierte Mäzenin der Künste und der Musik. Die languide Pose des Gemäldes und die klassischen Anspielungen führten dazu, dass frühe Betrachter über seine gewagte Modernität flüsterten; ein Zeitgenosse nannte es "eine Venus unserer eigenen Zeit".

Goyas Entscheidung, eine Adelige in dieser mythischen Gestalt darzustellen, war ungewöhnlich, und das Porträt wurde schnell zum Gesprächsthema in aristokratischen Kreisen. Die Marquesa liegt auf einem Divan, in ein blasses, durchscheinendes Kleid gehüllt, ihr Körper ist so geneigt, als würde sie zwischen Schlaf und Wachsein schweben. In ihrer rechten Hand hält sie eine Lyra-Gitarre, ein Hinweis auf ihr musikalisches Talent und die antiken Musen. Der Lorbeerkranz auf ihrem Haar verwandelt sie weiter in eine lebendige Allegorie der Poesie oder Musik, während das sanfte, goldene Licht ihre Haut streichelt und die Grenze zwischen Porträt und Fantasie verwischt.

Im Gegensatz zu Ingres’ späterer Grande Odalisque, wo die Figur fern und exotisiert ist, blickt Goyas Marquesa direkt den Betrachter an und lädt uns in ihre Welt kultivierter Anmut und Witz ein. Auftraggeber war ihr Ehemann, der Marquis von Santa Cruz, und das Gemälde blieb über Generationen in der Sammlung der Familie, bewundert als ein Zeugnis sowohl von Goyas Einfallsreichtum als auch von der Ausstrahlung der Marquesa. Es überstand die Umwälzungen der napoleonischen Kriege und wechselnde Geschmäcker und gelangte schließlich in das Museo del Prado, wo es heute hängt. Für Goya markierte dieses Porträt einen Höhepunkt seiner Karriere als Gesellschaftsmaler, indem es psychologische Einsicht mit einem spielerischen Sinn für Mythos verband und die Kühnheit seiner späteren Werke vorausahnte.