Pocos artistas han regresado a la historia de Judith tan a menudo, o con tanta intensidad, como Artemisia Gentileschi. Para cuando pintó Judith llevando la cabeza de Holofernes en 1635, había representado a la heroína hebrea en al menos seis obras conocidas, cada una con un estado de ánimo y énfasis diferentes. Esta persistencia no pasó desapercibida para sus contemporáneos, quienes a veces especulaban sobre el significado personal que el tema tenía para ella, dadas sus propias luchas bien documentadas como mujer artista en la Italia del siglo XVII.

La pintura se erige como un testimonio no solo de la victoria de Judith, sino también de la determinación de Gentileschi para reclamar un espacio en un mundo dominado por hombres. El momento que eligió Gentileschi es uno de consecuencias y resolución: Judith, habiendo decapitado al general asirio Holofernes, avanza con su cabeza firmemente sujeta en su mano. Su mirada es firme, su cuerpo está compuesto, y su sirvienta está cerca, lista para ocultar el trofeo macabro. La espada ensangrentada y los pesados pliegues del vestido de Judith se representan con un realismo que subraya la brutalidad de su acto, mientras que la luz fría aísla las figuras contra la oscuridad, intensificando el drama.

A diferencia de la versión de Caravaggio, donde Judith se estremece ante su propia violencia, la Judith de Gentileschi es imperturbable, su fuerza y agencia son inconfundibles. El patrocinador preciso de esta pintura es desconocido, y su historia temprana sigue siendo algo oscura, como suele suceder con las obras de Gentileschi fuera de sus principales comisiones. Lo que está claro es que en la década de 1630, ella era una figura establecida en el movimiento Barroco, trabajando en toda Italia e incluso en Inglaterra. La audaz representación del poder femenino en la pintura y su seguridad técnica la marcan como una obra madura, creada en un momento en que la reputación de Gentileschi se estaba expandiendo más allá de Florencia y Roma.

Hoy en día, Judith llevando la cabeza de Holofernes es reconocida como uno de sus tratamientos característicos del tema, una obra que continúa atrayendo atención por su profundidad psicológica y su lugar en la historia en evolución de las mujeres en el arte.