Pochi artisti sono tornati alla storia di Giuditta con tanta frequenza o intensità quanto Artemisia Gentileschi. Quando dipinse Giuditta che porta la testa di Oloferne nel 1635, aveva già rappresentato l'eroina ebrea in almeno sei opere conosciute, ognuna con un umore e un'enfasi diversi. Questa persistenza non è passata inosservata ai suoi contemporanei, che a volte speculavano sul significato personale che il soggetto aveva per lei, date le sue ben documentate lotte come artista donna nella Italia del XVII secolo.

Il dipinto si erge come una testimonianza non solo della vittoria di Giuditta, ma anche della determinazione di Gentileschi di rivendicare uno spazio in un mondo dominato dagli uomini. Il momento scelto da Gentileschi è quello delle conseguenze e della risolutezza: Giuditta, dopo aver decapitato il generale assiro Oloferne, avanza con la testa saldamente afferrata nella sua mano. Il suo sguardo è fermo, il suo corpo è composto, e la sua serva è poco dietro, pronta a nascondere il trofeo macabro. La spada insanguinata e i pesanti drappeggi del vestito di Giuditta sono resi con un realismo che sottolinea la brutalità del suo atto, mentre la luce fredda isola le figure contro l'oscurità, intensificando il dramma.

A differenza della versione di Caravaggio, in cui Giuditta si ritrae di fronte alla propria violenza, la Giuditta di Gentileschi è impassibile, la sua forza e agenzia sono inconfondibili. Il preciso committente di questo dipinto è sconosciuto, e la sua storia iniziale rimane piuttosto oscura, come spesso accade con le opere di Gentileschi al di fuori dei suoi principali incarichi. Ciò che è chiaro è che negli anni '30 del Seicento era una figura affermata nel movimento Barocco, lavorando in tutta Italia e persino in Inghilterra. La audace rappresentazione del potere femminile nel dipinto e la sua sicurezza tecnica la contraddistinguono come un'opera matura, creata in un momento in cui la reputazione di Gentileschi si stava diffondendo oltre Firenze e Roma.

Oggi, Giuditta che porta la testa di Oloferne è riconosciuta come uno dei suoi trattamenti caratteristici del soggetto, un'opera che continua a catturare l'attenzione per la sua profondità psicologica e il suo posto nella storia in evoluzione delle donne nell'arte.