Aucune autre peinture de Caravaggio n'a suscité autant de débats sur sa simplicité que Panier de Fruits. Créée vers 1600, cette nature morte se distingue des scènes bibliques et mythologiques dramatiques qui ont rendu l'artiste célèbre. Certains chercheurs se sont demandé si elle était destinée à n'être qu'une simple étude, un cadeau ou même un défi à ses critiques, puisque les natures mortes étaient rarement considérées comme dignes des grands artistes à l'époque.

Son premier propriétaire enregistré était le cardinal Federico Borromeo, un puissant mécène milanais qui tenait la peinture en si haute estime qu'il l'a mentionnée dans ses propres écrits. Dans Panier de Fruits, le drame ne réside pas dans le geste humain, mais dans le réalisme silencieux et presque troublant de la décadence. L'œil du spectateur est attiré par le panier, perché de manière précaire sur un rebord, débordant de fruits mûrs et trop mûrs : des pommes marquées par des taches, des raisins commençant à se ratatiner, une figue qui s'ouvre. Les feuilles se recroquevillent et brunissent, certaines déjà flétries, suggérant le passage du temps et l'inévitabilité du déclin.

Contrairement aux fruits idéalisés dans les œuvres de Giuseppe Arcimboldo ou à l'abondance ordonnée des natures mortes flamandes, Caravaggio confronte le spectateur à l'imperfection et à la mortalité, utilisant la lumière pour mettre en évidence chaque défaut. La peinture devient une méditation sur la nature éphémère de la vie et de la beauté. L'histoire physique de Panier de Fruits est exceptionnellement bien documentée pour une nature morte de cette période. Le cardinal Borromeo l'a acquise pour sa collection à Milan, où elle est restée depuis, maintenant logée à la Pinacothèque Ambrosienne.

L'attribution de la peinture à Caravaggio n'a jamais été sérieusement contestée, et elle est souvent citée comme l'une des premières natures mortes indépendantes dans l'art italien. Réalisée à l'apogée de la carrière de Caravaggio, elle se dresse comme une déclaration silencieuse mais radicale, montrant que même le sujet le plus humble peut captiver le regard du spectateur—et peut-être, comme le croyait Borromeo, le propre message moral de l'artiste.