Lorsque Christ sur la Croix de Filippino Lippi est entré dans la discussion académique, ce n'était pas pour une commande documentée ou un mécène célèbre, mais pour l'énigme de son attribution. Pendant de nombreuses années, des œuvres comme celle-ci ont parfois été confondues avec celles du père de Filippino, Fra Filippo Lippi, en raison de leur atelier commun et de leurs styles chevauchants. Ce n'est qu'une étude minutieuse des formes allongées des figures et de l'émotion expressive, presque agitée, sur les visages qui a conduit les experts à attribuer cette peinture au Lippi plus jeune.

L'absence de date connue ou de lieu d'origine ajoute au mystère, faisant de chaque coup de pinceau un indice dans l'histoire policière de l'art de la Renaissance. La scène de Lippi capture le moment de la crucifixion du Christ, un sujet peint d'innombrables fois, mais ici chargé d'une émotion particulière. Le corps du Christ, cloué sur la croix, est rendu avec une tension délicate : sa tête s'incline en résignation, tandis que ses bras s'étirent tendus, soulignant à la fois la souffrance et le sacrifice. Aux pieds de la croix, la Vierge Marie s'effondre de chagrin, soutenue par Saint Jean, leurs gestes faisant écho à l'angoisse au-dessus.

Le paysage en arrière-plan est sparse, attirant le regard vers le drame au premier plan. Comparées à la calme monumentale de Masaccio dans ses propres représentations de la Crucifixion, les figures de Filippino Lippi semblent plus fragiles, leur chagrin plus intime et immédiat. Le parcours de la peinture est en grande partie non documenté, ce qui est typique de nombreuses œuvres dévotionnelles de la fin du XVe siècle, qui se déplaçaient souvent discrètement de chapelle en chapelle ou de maison privée. Il est probable que Christ sur la Croix ait été créé pour la dévotion privée, une pratique courante à Florence durant la carrière de Filippino Lippi.

Bien que sa provenance demeure incertaine, le style de la peinture la place fermement dans les dernières années de la vie de l'artiste, lorsqu'il avait dépassé l'influence de son père et développé une approche distincte, plus chargée émotionnellement. Aujourd'hui, des œuvres comme celle-ci sont prisées pour leur capacité à relier l'intensité spirituelle du début de la Renaissance à la profondeur psychologique qui définirait la peinture florentine ultérieure.