Lorsque Peter Paul Rubens a peint Couronnement de Diane vers 1620, il était à l'apogée de sa renommée, produisant des scènes mythologiques pour les cours les plus exigeantes d'Europe. Cette œuvre est considérée comme faisant partie d'une série commandée par le Duc de Mantoue, Vincenzo Gonzaga, qui fut l'un des plus importants mécènes de Rubens et un grand admirateur de l'antiquité classique. Les cycles mythologiques de Rubens étaient prisés pour leurs compositions dynamiques et leurs figures sensuelles, et le sujet du couronnement de Diane était un choix rare, rarement représenté dans la peinture à grande échelle.

Le destin de la peinture après sa création est moins clair, et elle a parfois été confondue avec d'autres versions et esquisses de Rubens et de son atelier, ajoutant à son aura de mystère. Au cœur de la scène, Diane, déesse de la chasse et de la lune, est couronnée par des nymphes et des dieux dans un moment de célébration radieuse. Rubens choisit l'instant où le diadème en croissant de lune est placé sur son front, signalant son statut divin et son pouvoir céleste. La déesse se tient entourée de serviteurs : l'un offre une guirlande, un autre tient un carquois, tandis que des nuages et des putti tourbillonnent au-dessus, leur mouvement résonnant dans la draperie fluide et la chair lumineuse.

La lumière, dorée et théâtrale, met en valeur la peau pâle de Diane et le croissant argenté, la distinguant des fêtards terrestres. Comparée aux représentations plus contenues de Diane par Titien, la version de Rubens est toute en exubérance et en mouvement, un festin de corps et de couleurs qui attire le spectateur dans le monde mythique. Le parcours exact de Couronnement de Diane après avoir quitté l'atelier de Rubens n'est pas bien documenté, un sort commun pour les œuvres créées pour des palais privés au début du XVIIe siècle. Il est probable que la peinture soit restée en Italie pendant un certain temps avant d'entrer dans diverses collections européennes, car les mythologies de Rubens étaient très recherchées par les collectionneurs en France et en Espagne.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la capacité de Rubens à traduire le mythe classique en un spectacle vibrant, et du goût pour de tels sujets parmi l'élite de la période Baroque. La composition et l'énergie de la peinture reflètent le style mature de Rubens, développé au cours de ses années en Italie et perfectionné à Anvers, et elle reste un exemple vivant de son imagination mythologique.