En 1660, alors que Nicolas Poussin approchait de la fin de sa vie, il revint une fois de plus aux histoires bibliques qui avaient façonné sa carrière. Hagar et l'Ange se distingue comme l'un de ses derniers traitements du drame de l'Ancien Testament, peint à une époque où sa santé déclinait mais son intellect restait vif. Le sujet de la peinture—le bannissement d'Hagar—avait fasciné les artistes pendant des siècles, mais la version de Poussin est exceptionnellement retenue et intime.

Alors que d'autres peintres privilégiaient le spectacle, Poussin cherchait le moment silencieux de révélation, un choix qui intrigue les chercheurs depuis que l'œuvre est apparue pour la première fois. Aucun document contemporain ne subsiste pour nous dire qui possédait la peinture en premier, mais sa composition réfléchie suggère qu'elle était destinée à un mécène qui valorisait la méditation plutôt que l'exposition. La scène capture le moment de la Genèse où Hagar, chassée dans le désert avec son fils Ismaël, désespère pour leurs vies jusqu'à ce qu'un ange apparaisse. Poussin fixe le drame à l'instant où l'ange désigne une source nouvellement révélée, offrant de l'espoir là où il n'y avait que du désespoir.

Le corps d'Hagar s'affaisse d'épuisement, sa main protégeant Ismaël, tandis que le bras tendu de l'ange et son regard calme dirigent l'œil du spectateur vers le salut. Le paysage est aride mais pas stérile ; un subtil rayon de lumière tombe sur la jarre d'eau, symbolisant l'intervention divine. Comparée à la plus émotionnelle Hagar et l'Ange de Rembrandt, la version de Poussin est mesurée, mettant l'accent sur l'ordre et la clarté plutôt que sur le sentiment brut. L'histoire physique de Hagar et l'Ange est moins bien documentée que certaines des autres œuvres de Poussin.

Son médium est incertain, bien que la plupart des peintures survivantes de Poussin de cette période soient à l'huile sur toile. Les lieux de la peinture pendant une grande partie des XVIIIe et XIXe siècles restent flous, mais elle est désormais reconnue comme une œuvre tardive, reflétant le style mature de l'artiste—marqué par une structure soignée et des couleurs atténuées. Aujourd'hui, elle est conservée au Museo del Prado, où elle fait partie de la collection importante de peinture baroque française du musée.

La peinture se dresse comme un témoignage de l'engagement de Poussin envers la Bible tout au long de sa vie et de sa quête de sens dans des moments de révélation silencieuse.