Lorsque Artemisia Gentileschi a peint Marie Madeleine tenant un Crâne en 1631, elle vivait à Naples, à l'apogée de sa renommée et de son indépendance. Cette peinture se distingue parmi ses œuvres de Madeleine par son intimité intense et sa profondeur psychologique, et c'est l'une des plusieurs versions qu'elle a créées de cette sainte repentie. Les chercheurs ont longtemps débattu de la question de savoir si cette Madeleine est un autoportrait, Artemisia utilisant souvent ses propres traits dans ses héroïnes, brouillant la frontière entre artiste et sujet.

La provenance de la peinture est incertaine, mais sa charge émotionnelle et son regard direct en ont fait une référence pour les discussions sur l'agence féminine à l'époque du Baroque. Au moment choisi par Artemisia, Marie Madeleine est plongée dans une contemplation solitaire, sa main reposant sur un crâne, un symbole classique de mortalité et de repentance. Le regard de la sainte est baissé, ses cheveux lâchés et son épaule exposée suggérant à la fois son passé de pécheresse et sa vulnérabilité dans l'acte de pénitence. La lumière tombe sur son visage et ses mains, attirant le spectateur dans son moment de réflexion, tandis que l'obscurité derrière elle suggère le poids de son passé.

Contrairement à la Madeleine plus théâtrale de Caravaggio, la version d'Artemisia est plus silencieuse, plus introspective, mettant l'accent non pas sur le drame mais sur la gravité de l'introspection. Le crâne, le livre ouvert et l'absence d'autres figures concentrent toute l'attention sur la lutte intérieure de Madeleine. L'histoire précise des débuts de Marie Madeleine tenant un Crâne reste floue, car les archives de la période napolitaine d'Artemisia sont fragmentaires. Il est probable que la peinture ait été commandée par un mécène privé, car Madeleine était un sujet dévotionnel populaire en Italie au XVIIe siècle.

Au fil des siècles, la peinture a été attribuée et réattribuée, reflétant les fortunes changeantes de la réputation de Artemisia Gentileschi. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de sa capacité à réinterpréter des thèmes traditionnels à travers un prisme distinctement personnel, et continue d'attirer l'attention où qu'elle soit exposée, souvent citée comme une œuvre clé de sa période mature.