Au milieu du XVIIe siècle, Bartolomé Estebán Murillo a choisi de revisiter un sujet qui avait déjà fasciné les artistes pendant des siècles : le moment miraculeux où Saint François d'Assise a reçu les stigmates. Cet événement, qui aurait eu lieu en 1224 sur le Mont La Verna, était considéré comme une union mystique avec le Christ, marqué par l'apparition de blessures correspondant à celles de Jésus crucifié. Ce qui distingue la version de Murillo, c'est sa tendresse sans précédent ; tandis que des peintres espagnols antérieurs comme Francisco de Zurbarán rendaient la scène avec un drame austère, le François de Murillo est enveloppé d'une lumière douce et d'une vulnérabilité humaine.

L'intimité émotionnelle de la peinture a été si admirée qu'elle a inspiré plusieurs copies et variantes, tant de Murillo que de ses disciples. Saint François est saisi dans l'instant de la rencontre divine : à genoux dans un paysage rocheux, son visage levé avec émerveillement et humilité alors qu'un séraphin—à moitié caché dans une explosion de lumière radieuse—lui tend les blessures du Christ. L'habit brun du saint, la corde nouée et ses pieds nus l'enracinent dans la tradition franciscaine de pauvreté et de simplicité. L'utilisation par Murillo d'une douce illumination dorée baigne la scène, soulignant l'extase spirituelle du saint plutôt que la douleur physique.

Les blessures, qui commencent à peine à fleurir sur les mains et le côté de François, sont rendues avec un réalisme délicat, soulignant la réalité physique du miracle. Contrairement à la célèbre fresque de Giotto à Assise, qui est plus narrative et publique, la composition de Murillo attire le spectateur dans une vision privée et intérieure. L'histoire précoce précise de Saint François Recevant les Stigmates n'est pas entièrement documentée, mais elle a probablement vu le jour comme une œuvre dévotionnelle pour un patron ou un monastère franciscain à Séville, où Murillo était basé. La peinture date d'environ 1650, une période où Murillo établissait sa réputation pour des scènes religieuses pleines de chaleur et d'humanité.

Au fil du temps, des œuvres comme celle-ci ont contribué à cimenter son statut de principal peintre du Baroque sévillan. Aujourd'hui, la peinture se dresse comme un témoignage de la capacité de Murillo à mêler narration spirituelle et profondeur psychologique, et elle reste une référence pour comprendre le côté doux et compatissant de l'art religieux espagnol au XVIIe siècle.