Lorsque Pierre-Auguste Renoir a peint Femme endormie en 1897, il luttait déjà contre les effets de l'arthrite rhumatoïde, qui avait commencé à déformer ses mains et à altérer sa technique. Plutôt que de se retirer, Renoir s'est adapté, attachant des pinceaux à ses doigts et adoptant une approche plus douce et fluide de la peinture. Cette période tardive, parfois appelée son "deuxième style", se caractérise par une intimité et une chaleur renouvelées—des qualités qui imprègnent Femme endormie.

La peinture témoigne de la détermination de Renoir à trouver la beauté et la tendresse même lorsque son corps lui faisait défaut. La scène est trompeusement simple : une femme, la tête reposant sur des bras repliés, s'endort. Renoir la capture dans un moment de repos sans défense, ses traits adoucis par le doux jeu de lumière sur son visage et ses cheveux. Le coup de pinceau est lâche et lumineux, dissolvant les contours durs et laissant la couleur scintiller aux frontières—un effet qui rappelle les nus tardifs de Titien, que Renoir admirait.

La posture détendue de la figure et le cadre intime invitent le spectateur à partager ce moment tranquille, transformant un acte privé en une méditation universelle sur le repos et la vulnérabilité. L'identité exacte du modèle reste incertaine, comme c'est souvent le cas avec les portraits tardifs de Renoir, mais il est probable qu'elle ait été l'une des modèles préférées de l'artiste de son cercle à Cagnes-sur-Mer. Femme endormie a été peinte à une époque où Renoir se concentrait sur des sujets domestiques et des scènes de la vie quotidienne, s'éloignant de l'agitation urbaine de ses années Impressionnistes antérieures. L'histoire ultérieure de la peinture est moins documentée que certaines de ses œuvres plus grandes ; elle a passé par des collections privées et n'est apparue que de temps en temps dans des expositions publiques.

Aujourd'hui, elle est prisée comme un exemple du style tardif de Renoir, où les frontières entre figure et fond se dissolvent dans une brume de couleur et de lumière, et où la lutte et la sérénité de l'artiste sont également présentes sur la toile.