Lorsque Peter Paul Rubens a peint La Mort d'Eurydice en 1636, il était à l'apogée de sa renommée, travaillant fiévreusement sur une série de toiles mythologiques pour la Torre de la Parada, le pavillon de chasse du roi Philippe IV d'Espagne près de Madrid. La commande était monumentale : Rubens et son atelier devaient fournir des dizaines de scènes des Métamorphoses d'Ovide, donnant vie à des contes anciens pour la cour espagnole. Dans ce contexte, Rubens a choisi de représenter non pas le retour triomphal d'Orphée et d'Eurydice, mais le moment de la perte tragique, une décision qui distingue sa version de la plupart des traitements antérieurs du mythe. La mort d'Eurydice est capturée à l'instant où la morsure de la vipère scelle son destin.

Rubens place sa figure s'effondrant au centre, sa robe blanche et sa chair nue illuminées contre un paysage ombragé, tandis que ses compagnons reculent d'horreur. Le serpent, enroulé autour de son talon, est rendu avec une clarté glaçante, un raccourci visuel pour la mortalité et le destin. Orphée est absent, déplaçant complètement l'accent sur la souffrance d'Eurydice et le chagrin brut de ceux qui l'entourent.

Contrairement à Orphée et Eurydice de Nicolas Poussin, plus contenu, Rubens remplit la toile de mouvement et d'émotion : mains tendues, visages tordus, le drame se déroulant en temps réel. La peinture originale a probablement été exécutée à l'huile sur toile, bien que le médium précis ne soit pas enregistré. Comme pour de nombreuses œuvres de la série de la Torre de la Parada, on pense que Rubens a peint le design initial et a confié une grande partie de l'exécution à son talentueux atelier, une pratique courante dans sa carrière ultérieure. Le destin de la peinture après son installation n'est pas entièrement documenté : de nombreuses œuvres du pavillon ont été dispersées, endommagées ou perdues au fil des siècles.

Aujourd'hui, La Mort d'Eurydice survit comme un témoignage de la capacité de Rubens à fusionner le mythe classique avec l'intensité émotionnelle du Baroque, et comme un chapitre poignant dans l'histoire du patronage royal et de l'ambition artistique en Europe au XVIIe siècle.