Lorsque Femmes à repasser est apparu pour la première fois en public, les critiques ont été surpris par son honnêteté brute : Edgar Degas avait détourné son regard de la scène de ballet vers le monde épuisant des blanchisseuses parisiennes. Cette peinture fait partie d'une série que Degas a commencée au début des années 1880, revenant encore et encore au sujet des femmes travaillant dans leur état le plus épuisé. Le modèle de la femme bâillant est censé être une véritable blanchisseuse de Montmartre, et il est connu que Degas l'a esquissée et peinte dans plusieurs poses, parfois même dans la chaleur humide de la blanchisserie elle-même.

Le réalisme brut de la scène a défié les conventions de beauté et de décorum dans l'art français, poussant un contemporain à l'appeler "une peinture qui sent le savon et la sueur." Le moment choisi par Degas est celui d'une fatigue totale : une femme s'appuie lourdement sur son fer, son bras flasque, tandis que l'autre, la bouche grande ouverte dans un bâillement, est prise entre le travail et le besoin de repos. La table est encombrée de linge, l'air épais de la suggestion de chaleur et d'effort. Le coup de pinceau lâche et rapide de Degas et sa palette atténuée renforcent le sentiment de lassitude, tandis que la lumière dure tombant de la gauche exagère la pâleur des femmes et les ombres sous leurs yeux.

Contrairement aux femmes paysannes idéalisées de Jean-François Millet, Degas n'offre aucune sentimentalité—seulement la réalité brute du labeur quotidien. Le geste de bâiller, si rarement représenté, devient un acte silencieux de rébellion contre les exigences d'un travail sans fin. Femmes à repasser est l'une des plusieurs versions que Degas a produites sur ce thème, utilisant à la fois l'huile et le pastel, et aujourd'hui elle se dresse comme une œuvre clé de sa période tardive, lorsque son intérêt pour la vie urbaine moderne s'est approfondi. La provenance exacte de la peinture à ses débuts n'est pas claire, mais il est connu que Degas a gardé de nombreuses scènes de blanchisseuses dans son studio pendant des années, les retravaillant et ne les montrant que de manière sélective.

Aujourd'hui, des versions de ce sujet sont accrochées dans des musées majeurs, y compris le Musée d'Orsay à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York, témoignage de leur impact durable. La série marque un tournant dans la carrière de Degas, alors qu'il s'éloignait des surfaces polies de ses œuvres antérieures vers une approche plus expérimentale et expressive de la peinture et du sujet.