Nel 1666, Bartolomé Estebán Murillo completò L'arcangelo Michele precipita il diavolo nell'abisso per la chiesa cappuccina di Siviglia, in un periodo in cui la città stava ancora affrontando la peste e i tumulti sociali. Il dipinto faceva parte di un incarico più ampio che sarebbe diventato un progetto definitorio per Murillo, consolidando la sua reputazione come il principale pittore di soggetti religiosi nel sud della Spagna. Il suo arrivo fu accolto con ammirazione: i registri contemporanei annotano la "chiarezza celestiale" dell'opera, una frase che cattura sia la sua brillantezza tecnica che la sua intensità spirituale.

Questa immagine di Michele, trionfante e sereno, divenne un emblema di speranza e giustizia divina per una città in cerca di conforto. Murillo sceglie l'istante culminante del Libro dell'Apocalisse: l'arcangelo, armato e radioso, spinge Satana—contorto, mostruoso e incatenato—verso l'oscurità. Il braccio teso di Michele e il suo sguardo calmo contrastano con la furia contorta del diavolo sotto di lui, il cui scettro rotto e la forma contorta simboleggiano la sconfitta del male. Il mantello svolazzante dell'angelo e il drammatico gioco di luci focalizzano l'attenzione dello spettatore sulla figura celestiale, mentre una schiera di cherubini fluttua sopra, rafforzando il senso di approvazione celeste.

A differenza delle interpretazioni più marziali e severe di artisti come Guido Reni, il Michele di Murillo è gentile ma inflessibile, la sua vittoria segnata dalla grazia piuttosto che dalla violenza. Il viaggio del dipinto riflette la storia turbolenta dell'arte religiosa in Spagna. Dopo la sua installazione nella chiesa cappuccina, L'arcangelo Michele precipita il diavolo nell'abisso sopravvisse alle invasioni napoleoniche e alla secolarizzazione dei beni ecclesiastici, sebbene il suo esatto luogo durante il XIX secolo rimanga incerto. Oggi è ospitato nel Museo del Prado, dove si erge come un testimone dello stile maturo di Murillo—caratterizzato da una luce soffusa, colori armoniosi e una visione compassionevole della fede.

Il mezzo esatto rimane sconosciuto, sebbene Murillo fosse rinomato sia per gli oli su tela che per i freschi. Quest'opera, con la sua fusione di dramma e tenerezza, esemplifica la sensibilità del Barocco tardivo che rese Murillo amato nel suo tempo e influente per le generazioni a venire.