Alla fine degli anni '90 del Quattrocento, mentre Firenze tremava sotto l'influenza del fervente predicatore Savonarola, Sandro Botticelli dipinse L'Ultima Comunione di San Girolamo, un soggetto raro nell'arte rinascimentale che risuona direttamente con le ansie spirituali del suo tempo. Il dipinto è notevole per la sua connessione con il movimento di riforma domenicano: probabilmente fu commissionato da un seguace di Savonarola, che promuoveva l'ideale di una Chiesa pura e penitente e citava spesso l'esempio della devozione finale di San Girolamo. Quest'opera si erge come una delle poche rappresentazioni dipinte dell'ultimo sacramento di Girolamo, una scena più comunemente trovata nei testi cristiani antichi che nei polittici italiani. Il momento catturato è quello di un Girolamo anziano, emaciato e fragile, inginocchiato per ricevere l'Eucaristia da un sacerdote mentre la morte si avvicina.

Botticelli colloca il santo al centro, il suo corpo emaciato vestito con una semplice tunica, le mani tese in cerca dell'ostia. Intorno a lui, i monaci si radunano in silenziosa ammirazione, i loro volti segnati da riverenza e tristezza. L'ambientazione spoglia—pietra nuda, un crocifisso di legno, un teschio—parla della vita di ascetismo di Girolamo e della sua ultima umiltà.

L'uso da parte di Botticelli di una luce morbida, quasi funerea, isola Girolamo, attirando lo sguardo sul dramma della fede sulla soglia della morte. A differenza della più teatrale Ultima Comunione di San Girolamo di Domenichino, la visione di Botticelli è intima, enfatizzando la fame spirituale piuttosto che lo spettacolo. La storia precisa del dipinto è incerta, ma si crede ampiamente che sia stata creata per una cappella privata o una confraternita religiosa a Firenze, riflettendo il turbolento clima religioso della città. Al tempo degli scritti di Vasari, L'Ultima Comunione di San Girolamo era già diventata un argomento di discussione per il suo soggetto insolito e il suo tono cupo, distinguendosi dalle opere mitologiche precedenti di Botticelli.

Oggi è vista come un esempio chiave dello stile tardivo dell'artista, plasmato dalla crisi spirituale della sua epoca. Il mezzo rimane incerto—alcuni suggeriscono tempera, altri olio—rispecchiando le incertezze che circondano ancora questo toccante testamento di fede e mortalità.