Nessun dipinto di Simon Vouet è stato copiato e adattato così frequentemente come La Toilette di Venere. La sua composizione divenne così influente nel XVII secolo che fu ripresa da artisti successivi, tra cui François Boucher e Jean-Marc Nattier, che presero in prestito la visione di Vouet di Venere circondata da assistenti davanti al suo specchio. La fama dell'originale era tale che, anche secoli dopo, la sua data e il suo medium precisi rimangono oggetto di curiosità accademica, poiché il dipinto stesso è conosciuto principalmente attraverso incisioni e repliche di studio. In questa scena, Venere, dea dell'amore, siede al suo tavolo da trucco, assistita da putti e ninfe che le sistemano i capelli e le offrono gioielli.

Vouet sceglie il momento intimo in cui la dea ammira il proprio riflesso, un tema che parla sia di vanità che di autoconsapevolezza. Le perle e gli specchi sparsi sul tavolo simboleggiano bellezza e transitorietà, mentre i cherubini giocosi evocano un senso di divertimento divino. La delicata gestione dei toni della pelle e dei tessuti scintillanti di Vouet ricorda la tradizione veneziana, eppure la sua Venere è più diretta e mondana di quella di Tiziano in Venere con uno Specchio, che guarda verso l'esterno con una fiducia consapevole. Il viaggio del dipinto è tanto enigmatico quanto il suo soggetto.

Sebbene La Toilette di Venere sia spesso associata al periodo parigino di Vouet, quando era pittore di Luigi XIII, la mancanza di un originale documentato in modo sicuro ha portato a molti dibattiti tra gli storici dell'arte. Esistono diverse versioni e copie, alcune attribuite al laboratorio di Vouet, altre a successivi ammiratori; la posizione della versione principale rimane incerta. Nonostante ciò, l'influenza diffusa della composizione consolida il suo posto come punto di riferimento della pittura barocca francese e un testamento del ruolo di Vouet nella formazione del linguaggio visivo della corte francese.