Quando Edgar Degas espose per la prima volta la sua serie di donne al loro toilette alla fine degli anni '80, i critici rimasero sia affascinati che turbati dalla loro intimità. Donna che si pettina si colloca tra diverse opere che Degas creò esplorando questo rituale privato, ed è notevole per il modo in cui sfuma il confine tra osservatore e osservato. Invece di offrire un ritratto rifinito, Degas cattura un momento fugace e non protetto—tanto che alcuni spettatori contemporanei lo accusarono di invadere la privacy dei suoi modelli.

Il mezzo preciso dell'opera è ancora oggetto di dibattito, poiché Degas sperimentò con pastelli, olio e persino monotipia durante questo periodo, sovrapponendo spesso tecniche per ottenere le sue texture distintive. La scena si svolge in un interno modesto, dove una donna è seduta di spalle, con le braccia alzate mentre passa un pettine tra i suoi folti capelli. La composizione è ritagliata in modo stretto, enfatizzando la curva della sua colonna vertebrale e la tensione nei suoi muscoli—dettagli che parlano della fisicità di questo atto quotidiano. La luce proviene da sinistra, illuminando l'arco del suo braccio e i toni rossastri della sua pelle, mentre lo sfondo si dissolve in pennellate sciolte ed espressive.

A differenza dei nudi rifiniti di Jean-Auguste-Dominique Ingres, l'approccio di Degas è crudo e privo di sentimentalismo, concentrandosi sul lavoro e sulla solitudine del momento piuttosto che sulla bellezza idealizzata. Il risultato è una scena che si sente sia immediata che profondamente umana. La provenienza esatta di Donna che si pettina è difficile da tracciare, poiché Degas produsse diverse versioni di questo motivo e raramente le espose o le vendette durante la sua vita. Molte di queste opere rimasero nel suo studio fino alla sua morte nel 1917, dopo di che furono disperse attraverso una serie di aste storiche.

Oggi, versioni di questo soggetto possono essere trovate in collezioni da Parigi a New York, ognuna con sottili differenze nella posa, nel colore e nella tecnica. Il dipinto segna un momento cruciale nella carriera di Degas, poiché si volse sempre più verso scene di vita moderna e sperimentò con nuovi materiali, spingendo i confini di ciò che la pittura—e il disegno—potevano esprimere.