Quando Edgar Degas espose per la prima volta Donne che si pettinano i capelli nel 1875, i critici rimasero sorpresi dalla sua franchezza e intimità; un recensore della stampa parigina descrisse le sue bagnanti come "così reali che si ha quasi l'impressione di essere nella stanza con loro". Quest'opera è uno dei diversi studi che Degas realizzò su donne al loro toilette, un tema a cui sarebbe tornato in modo ossessivo negli anni '70 e '80, esplorando sia i rituali quotidiani della vita parigina sia i confini di ciò che era considerato accettabile nell'arte. A differenza delle sue famose scene di balletto, questi momenti privati non furono commissionati da mecenati né destinati a grandi saloni; al contrario, Degas li dipinse per se stesso, affascinato dai gesti e dai ritmi disinibiti dell'esistenza quotidiana. Il dipinto cattura un momento fugace: una donna, di spalle rispetto allo spettatore, si piega in avanti mentre passa un pettine tra i capelli, mentre un'altra figura assiste o osserva.

La composizione è ritagliata in modo stretto, come se fosse intravista attraverso una porta, aumentando la sensazione di intrusione. I corpi delle figure sono resi con ampi e fluidi colpi di pennello, le loro forme si fondono quasi con lo sfondo, suggerendo sia la fisicità che la vulnerabilità della scena. La palette è contenuta—ocra smorzati, rosa delicati e blu freddi—ponendo l'accento sul movimento e sul gesto piuttosto che sui dettagli decorativi.

A differenza dei nudi levigati di Ingres, le donne di Degas non sono idealizzate, le loro pose sono goffe e naturali, la loro privacy palpabile. La provenienza precisa di questa particolare versione di Donne che si pettinano i capelli non è completamente documentata, un destino comune a molte opere di Degas di questo periodo, che spesso rimasero nel suo studio o circolarono tra amici e collezionisti prima di entrare in collezioni pubbliche. Oggi, varie variazioni su questo tema possono essere trovate in importanti musei, ognuna delle quali offre sottili differenze in posa, mezzo e umore. Questo dipinto segna un punto di svolta nella carriera di Degas, mentre si allontanava da soggetti narrativi tradizionali verso un approccio più moderno e osservativo—un approccio che avrebbe influenzato non solo i suoi colleghi Impressionisti ma anche generazioni di artisti a venire.