他のどのアーティストも、エル・グレコほど聖フランシスを頻繁に描いたことはありません。そして、瞑想するアッシジの聖フランシスは、1580年代から1614年の死までの間に彼が描いた少なくとも12のバージョンのうちの1つです。このテーマが彼の作品において持続的に現れることは、歴史家たちを困惑させています。それは個人的な献身だったのか、反宗教改革の信仰の模範を求める呼びかけへの応答だったのか、あるいはトレドのフランシスコ会のパトロンたちの要求に過ぎなかったのか？理由は何であれ、各バージョンは微妙に異なり、同一のものはありません—これはエル・グレコの落ち着かない想像力と、聖人の物語において彼が見出した精神的な緊急性の証です。 ここで、エル・グレコは、聖フランシスが神秘的な瞑想の頂点に達している瞬間を捉えています。両手を合わせ、目を上げ、口をわずかに開けて、まるで祈りをささやいているかのようです。聖人の粗い僧衣、結び目のあるロープ、そして彼の足元にある頭蓋骨は、単なる小道具ではなく、貧困、死、世俗的なものの放棄を象徴しています。上から鋭く降り注ぐ光は、フランシスを嵐のような背景から孤立させ、観客を彼の神との孤独な交わりのドラマに引き込みます。スルバランのような以前のアーティストによる穏やかで秩序ある描写とは異なり、エル・グレコのフランシスは細長く、ほとんど揺らめいており、彼の形は彼のビジョンの強烈さを反響させています。 この特定の瞑想するアッシジの聖フランシスの正確な起源は不明であり、絵画の初期の歴史は文書化されておらず、その媒介も議論されています—油彩キャンバスである可能性が高いですが、確認はされていません。おそらく1600年頃にトレドで制作されたと考えられており、アーティストの成熟期にあたります。その時期に彼のスタイルは最も表現力豊かな形に達しました。今日、この絵画はエル・グレコの晩年の宗教作品の重要な例として認識されており、彼の個人的なスタイルと宗教改革後のスペインの精神的な気候の両方を反映しています。アーティストのスタジオから現在の所蔵先までの旅は不明ですが、博物館のコレクションにおけるその持続的な存在は、その力と続けて刺激を与える魅力を物語っています。