Quando Diego Velázquez pintou Mercúrio e Argos em 1659, ele estava se aproximando do final de sua carreira, e esta obra se destaca como um de seus últimos temas mitológicos. O que torna esta pintura especialmente intrigante é que é a única representação conhecida de Velázquez do mito ovidiano, e foi criada durante um período em que o artista estava profundamente envolvido com a corte real espanhola. A procedência da pintura é um tanto misteriosa, pois não foi claramente documentada nos inventários reais até após a morte de Velázquez, adicionando um ar de incerteza à sua história inicial.

Ao contrário de suas telas mitológicas mais famosas, como A Forja de Vulcano, esta obra não foi amplamente copiada ou discutida em fontes contemporâneas, tornando-a uma peça rara e um tanto enigmática em sua produção. O momento que Velázquez escolhe é o tenso instante antes de Mercúrio, disfarçado de pastor, matar o vigilante Argos para libertar Io, conforme narrado nas Metamorfoses de Ovídio. Mercúrio, com seu chapéu alado e caduceu, senta-se ao lado do gigante Argos, que é embalado pela música e está à beira do sono. A composição é esparsa, com as duas figuras isoladas contra uma paisagem sóbria, o drama se desenrolando em seus gestos sutis: a prontidão de Mercúrio, as pálpebras pesadas de Argos.

A luz fria e prateada e a paleta contida evocam a tradição veneziana, no entanto, a pincelada de Velázquez é mais solta, mais atmosférica do que as formas nítidas de, por exemplo, Mercúrio e Argos enérgico de Peter Paul Rubens de 1636. Aqui, a violência está suspensa, a tensão narrativa aumentada pela quietude antes do ato. A história inicial da pintura permanece incerta, mas acredita-se geralmente que foi produzida para as coleções reais espanholas, provavelmente para a decoração do Palácio do Buen Retiro. Ao longo dos séculos, Mercúrio e Argos permaneceu na Espanha, passando por vários inventários reais antes de entrar nos acervos do Museu do Prado, onde reside hoje.

Os estudiosos debateram por muito tempo as circunstâncias exatas de sua encomenda, bem como seu lugar dentro do estilo tardio de Velázquez, que é marcado por uma crescente liberdade e sutileza. Apesar de sua relativa obscuridade em comparação com as obras mitológicas maiores do artista, esta pintura oferece um raro vislumbre da fascinação de Velázquez pelo mito e sua capacidade de destilar a narrativa em um momento de profundidade psicológica.