Cuando Diego Velázquez pintó Mercurio y Argos en 1659, se encontraba cerca del final de su carrera, y esta obra se erige como uno de sus últimos temas mitológicos. Lo que hace que esta pintura sea especialmente intrigante es que es la única representación conocida de Velázquez del mito ovidiano, y fue creada durante un período en el que el artista estaba profundamente involucrado con la corte real española. La procedencia de la pintura es algo misteriosa, ya que no se documentó claramente en los inventarios reales hasta después de la muerte de Velázquez, lo que añade un aire de incertidumbre a su historia temprana.

A diferencia de sus lienzos mitológicos más famosos, como La forja de Vulcano, esta obra no fue ampliamente copiada ni discutida en fuentes contemporáneas, lo que la convierte en una pieza rara y algo enigmática en su producción. El momento que selecciona Velázquez es el tenso instante antes de que Mercurio, disfrazado de pastor, mate al vigilante Argos para liberar a Io, tal como se narra en las Metamorfosis de Ovidio. Mercurio, con su sombrero alado y caduceo, se sienta junto al gigante Argos, que es arrullado por la música y está al borde del sueño. La composición es austera, con las dos figuras aisladas contra un paisaje apagado, el drama se desarrolla en sus sutiles gestos: la disposición lista de Mercurio, los pesados párpados de Argos.

La luz fría y plateada y la paleta contenida evocan la tradición veneciana, sin embargo, la pincelada de Velázquez es más suelta, más atmosférica que las formas nítidas de, por ejemplo, Mercurio y Argos enérgico de Peter Paul Rubens de 1636. Aquí, la violencia está suspendida, la tensión narrativa se intensifica por la quietud antes del acto. La historia temprana de la pintura sigue siendo poco clara, pero se cree generalmente que fue producida para las colecciones reales españolas, probablemente para la decoración del Palacio del Buen Retiro. A lo largo de los siglos, Mercurio y Argos ha permanecido en España, pasando por varios inventarios reales antes de ingresar a los fondos del Museo del Prado, donde reside hoy.

Los eruditos han debatido durante mucho tiempo las circunstancias exactas de su encargo, así como su lugar dentro del estilo tardío de Velázquez, que se caracteriza por una creciente libertad y sutileza. A pesar de su relativa oscuridad en comparación con las obras mitológicas más grandes del artista, esta pintura ofrece una rara visión de la fascinación de Velázquez por el mito y su capacidad para destilar la narrativa en un momento de profundidad psicológica.